Historie a tradice umění baviče a akademického moderátora. Když jsem se obrátil k historii, snažil jsem se pochopit moderní realitu

Zábava je forma jevištní akce, kterou provádí bavič - osoba, která na estrádě nebo koncertu vyhlašuje pořadová čísla a mezi předváděnými čísly obsazuje publikum (S.V. Shubin, slovník).

Zábava je varietní žánr - vystoupení na jevišti spojené s vyhlašováním a komentářem (zpravidla komediálního charakteru) čísel varietního představení, koncertu i textu.

Konference je pop artový žánr - vystoupení na jevišti spojené s vyhlašováním a komentováním pořadových čísel.

Bavič - (z francouzštiny - mluvčí), popový umělec, který oznamuje čísla koncertů a vystupuje v intervalech mezi nimi.

Bavič je popový umělec, který oznamuje čísla koncertního programu, někdy předvádí nezávislá čísla.

Bavič je umělec, který na estrádě nebo koncertě vyhlašuje pořadová čísla a v intervalech mezi čísly baví diváky svými samostatnými vystoupeními.

Mezi varietními žánry patří bavič k nejmladším. Kořeny tohoto popového žánru se však hledají v dávné minulosti. Najdeme je ve sboru antického divadla, v prologech italské komedie masek, v představeních ruských bubáků a fraškovitých dědečků. Skutečná kontinuita však nebyla nalezena v hlavním díle o dějinách ruské pop music E. Kuzněcova „Z minulosti ruské pop music“. Přechod od vousatého štěkaře vykřikujícího doma své temperamentní vtipy k varietnímu umělci v roli elegantního, korektního, ironického „baviče“ a moderátora je příliš náhlý. Podobnost těchto jevů však nemůže být pouhou náhodou a naznačuje, že již delší dobu existuje potřeba nějakého spojovacího článku mezi divákem a jevištěm.

Lidové slavnosti začaly v 18. století, ale v 19. století se staly obzvláště oblíbenými. Na Vánoce - „slavnosti pod horami“, na Maslenitsa a Velikonoce - „pod houpačkami“. Současníci zanechali popis takových slavností: „...Během týdne denně proudí davy lidí k houpačkám vztyčeným na náměstích. Lidé z dálky přitahováni tureckými bubny a hlučnou hudbou cestujících komiků, provazových tanečníků a dalších různých herců spěchají na procházku na náměstí k houpačkám... Na balkoně je umístěno několik hudebníků v čele s klauny. a na horní plošině tohoto zvláštního kolotoče a ocitají se tak v centru všeobecného oběhu. V bezprostřední blízkosti je jeviště pro komiky, kteří přitahují lidi především ostrými, i když hrubými vtipy.“ (1-Kuzněcov z minulosti 1958 str. 39.)

Měli bychom se pozastavit především u těchto klaunů, nebo, jak se lidově říkalo, „kolotočářských dědečků“, protože jsou přímými předky moderních bavičů a moderátorů.

„Kroj a líčení „dědečka“ byly tradiční...“ píše jedna z postav lidových slavností. (2Russian Nar. Gul.aleks.-Yakov.1948 art.62.) Dodejme - a chytlavé. V pestrém zástupu slavností bylo nutné zastavit pohled všech na sebe. "Vousy a knír z šedé koudele, záměrně hrubě vyrobené, šedý, záměrně záplatovaný kaftan a starý kulatý kočí klobouk s papírovou květinou na boku, onuchi a lýkové boty na nohách." Objevení se postavy v tomto oblečení na balkoně houpačky sloužilo jako signál k zahájení veselých projevů, nejrůznějších šaškáren, vtipů a vtipů.

„Dědeček kolotoč“ byl také zodpovědný za vyhlašování „čísel“. Stalo se to takto: „Po vtipkování... si „dědeček“ najednou plácl do čela, jako by si na něco vzpomínal, spěšně zmizel a vyvedl tři tanečníky. Když je „dědeček“ představil veřejnosti a často zcela otevřeně vtipkoval na jejich účet, začal s nimi tančit.

Historici varieté ne bezdůvodně vidí v těchto lidových bavičích vzdálené předky bavičů. Úzké spojení s publikem a zábava z přímé konverzace s nimi, stejně jako „prezentace“ účinkujících – to jsou nitky, které se táhnou od vtipných v onuchach až po moderní elegantní baviče.

E.B. Shapirovsky, vycházející z doslovného překladu z francouzštiny „bavič-mluvčí“, píše, že v 19. století byli takoví „mluvčí“, lehce legrační létající slovo, žíravý, ale dobromyslný útok, improvizovaná slovní hříčka, běžnou záležitostí. v literárních a uměleckých kavárnách. V takových kavárnách se scházeli básníci, umělci a hudebníci. „Z tohoto zpěvu, čtení, recitace, kreslení, kypící bohémskými vášněmi, dav spontánně vynikl jako nejvynalézavější verbální duelant, který rychle přišel s hravou odvetou, šokující reakcí.

Sud, stolička, židle, stůl - a improvizační fáze je připravena. Naskakuje na něj, podněcuje své okolí k vystoupení, stává se „dirigentem“ upovídané společnosti, zachycuje „skákavou“ konverzaci za běhu, hostitelem večera, veselým „mluvčím“ – bavičem.

N. P. Smirnov-Sokolsky ve své zprávě „O umění bavit“ nachází historický původ baviče v italském divadle renesance a věří, že masky commedia dell'arte, jejich práce ve hře, v podstatě, jsou také dílem baviče.

Moderní bavič má další zdroj, koncert – divadlo. Od konce 18. století se v opeře stalo zvykem po hlavním představení pouštět na jeviště v zpestření divácky oblíbené umělce, aby předvedli nejokázalejší árie z oper nebo tance z baletů. Postupně začali umělci v divertisementech doplňovat svůj repertoár o díla převzatá nejen z probíhajících představení.

V polovině 20. let 19. století se začaly organizovat diversifikace v činoherních divadlech, především v Alexandrinském divadle v Petrohradě a Malyho divadle v Moskvě. Zde se jim říká přestávky, protože během přestávky před oponou herci čtou oblíbené monology ze svých rolí nebo zpívají oblíbené kuplety z estrád.

O přestávkách vystupovali nejslavnější herci té doby. Velký Ščepkin jim přinesl své ústní příběhy. Jako první četl před oponou díla Puškina a Ševčenka a Krylovovy bajky. O přestávkách předváděl vaudevillové kuplety. Přestávka tak zvyká lidi na souběh různých žánrů. Umělcovy nejlepší a nejúspěšnější monology, kuplety a další fragmenty rolí byly zvýrazněny a uvedeny na proscénium. A tento přirozený výběr se postupně proměnil v novou formu umění – koncert.

Je nepravděpodobné, že by nyní mnoho lidí vědělo, že slovo „nádraží“, spojované u nás se schůzkami a odjezdy, řinčením kol a vzrušující pachem cestování, bylo kvůli umění přiřazeno místu, kam vlaky přijíždějí a odjíždějí, a navíc pop art.

V 18. století byly vlakové stanice venkovskými zahradami s kluby a koncertními prostory, které spojovaly koncerty a zábavy s tanečními zábavami a maškarádami (název „nádraží“ k nám přišel z londýnského nádraží, nejstaršího známého metropolitního zábavního podniku tohoto typu).

První vlaky v Rusku začaly jezdit mezi Petrohradem a Pavlovskem. Na nádraží Pavlovsk byl vybudován koncertní a taneční sál a pódium - oblíbené místo zábavy obyvatel hlavního města - tzv. Pavlovská hudební stanice. A protože to bylo také místo, odkud odjížděly vlaky, slovo „nádraží“ časem ztratilo svůj původní význam.

Od čtyřicátých let 19. století byla kromě stanice Pavlovský v Petrohradě velmi oblíbená i tzv. „Zahrada umělých minerálních vod“ neboli Izlerova zahrada. V Moskvě bylo podobnou institucí Letní divadlo v Neskuchny Garden (na území, kde se nyní nachází Gorkého centrální park kultury a oddechu), a poté Petrovský park, který jej zastínil. Tyto zahrady se staly místem odpočinku pro měšťany a lidé v nich vzkvétali. odlišné typy populární umění.

Prvního baviče, slavného Nikitu Balijeva, dalo ruské scéně Art Theatre.

Ohlašoval a komentoval představení ve svém divadle, vyprávěl divákům o mnoha věcech, které je zajímaly, a zdánlivě nedůsledně přeskakoval z tématu na téma, vytvářel dojem, že to, co bylo dnes řečeno, bylo jen improvizované a zítra se to nemusí opakovat.

Balijev vyšel na rampu a zahleděl se na ty sedící u stolů, aby zjistil, kdo dnes přišel, pokýval hlavou nebo dokonce „pojmenoval jejich jména“, pozdravil své přátele, oslovil je vtipnou, ale srozumitelnou poznámkou ke zbytku veřejnost - a byl instalován kontakt s publikem.

Všichni, kdo psali o Balievovi, a zejména K.S. Stanislavského, všimněte si jeho mimořádné vynalézavosti: rychlé a vtipné reakce na připomínky publika, schopnost vytvořit atmosféru nebývalé svobody a spontánnosti ve vztahu mezi jevištěm a publikem.

Herci tehdejšího mladého Uměleckého divadla byli sami mladí, měli velkou rezervu tvůrčích sil, byli zahlceni energií, nechtěně se utráceli za vtipy, na neplechu, zářili invencí a vkusem. Divadlo hostilo „rodinné“ večery, až po okraj naplněné zábavou nejvyššího vkusu, osvětlené brilantním talentem. Těmto večerům se začalo říkat skit parties.

Zpočátku byli v divadle opravdu jen interní, zvenčí je směli navštěvovat jen nejbližší přátelé. Ale jak se stále více lidí snažilo dostat ke scénkám, rodinný kruh se přerušil a staly se jakousi estrádou, jakýmsi komickým koncertem, už ne pro sebe, ale pro veřejnost.

Na scénách Divadla umění se poprvé objevila zcela nová postava varietního pořadu - bavič.

Vraťme se ke knize K. S. Stanislavského „Můj život v umění“: „Náš umělec N. F. Baliev v těchto scénkách poprvé vystoupil jako bavič a předvedl svůj talent. Jeho nevyčerpatelná zábava, vynalézavost, vtip - jak v samotné podstatě, tak ve formě jevištního podání svých vtipů - odvaha, často dosahující až drzosti, schopnost držet publikum ve svých rukou, smysl pro proporce, schopnost balancovat na hranici odvážného a veselého, útočného a hravého, jeho schopnost včas se zastavit a dát vtipu úplně jiný, dobromyslný směr – to vše z něj udělalo zajímavou uměleckou postavu nového žánru.“ (Stanislavsky můj život v soudním sporu.)

Ze scének Uměleckého divadla se pod vedením N. Balieva zrodilo Divadlo Netopýr a po něm divadla tohoto typu doslova padala.

Program „Netopýra“ se skládal ze scének, dramatizací a čísel. Nepostradatelnou postavou této roztříštěné „akce“, jejím jádrem a stmelujícím prvkem, byl bavič Nikita Baliev. Jeho nová role v té době, stejně jako jeho „skvělý talent“, přilákaly diváky do „Netopýra“ ne méně než do Moskevského uměleckého divadla.

Existovala jedna okolnost, která do značné míry určila originalitu balijského baviče. Protože spojení „Netopýra“ s scénkami a herectvím nebylo ještě zcela přerušeno, sál nového divadla se zprvu i nadále plnil divadelním a blízkodivadlem, tedy „jeho“ publikem. Před nedávnem se při scénkách tento divák během minuty stal performerem a všichni se jeho invenci a vtipu smáli a pak se vrátili z hřiště do sálu a smáli se dalšímu vystoupení svých soudruhů. V novém divadle byla na nějakou dobu setřena hranice oddělující jeviště od sálu. Nezbytnou podmínkou žánru bylo co nejaktivnější zapojení publika do dění na pódiu. A zároveň - záruka všeobecné zábavy, kvůli které do tohoto divadla chodili.

Kronikář „Netopýr“ v jubilejním vydání, vydaném k 10. výročí divadla, napsal: „Každý, kdo sestoupil pod oblouk, zanechal na chodbě smutek spolu se svými galošami, svlékl si kabát a starosti a zdálo se, že si vzal slib být v těchto několika nocích pod křídly „netopýra“ rytířem smíchu a vtipné zábavy. Tam, za prahem, jsem byl nucen nechat za sebou svou nedočkavost, schopnost nechat se urazit vtipem. Jinak jste riskovali, že budete pěkně litováni, protože šípy a vtipy „myšky“ byly naostřené velmi ostře a přesně zasáhly cíl, ačkoli byly uvolněny z tětivy veselou a jemnou rukou...

Koule vtipu, která začala na jevišti, byla vhozena do sklepa, pak zpět na jeviště a stále veseleji se zamotávala a vše zachycovala do svých vláken. větší číslo herci-diváci." (1Divadlo "Netopýr", str., nakladatelství "Slunce Ruska", 1918, s. 13.)

Bavič přispěl k úzké komunikaci mezi sálem a jevištěm, účinkujícími a diváky. To ale nebyla jeho jediná funkce.

Představení, které mělo mozaikový charakter, potřebovalo jádro, obecný dějový pohyb, který prováděl komper.

Téměř současně s Netopýrem začalo vznikat mnoho dalších divadel podobného typu. Z těch nejlepších předrevolučních stojí vedle „The Bat“ za zmínku „Crooked Mirror“ ve 20. letech – např. „Free Theatre“, „Free Comedy“, „Balaganchik“, „Crooked Jimmy“... Můžete uvést mnohem více jmen, ale bez ohledu na to, jak se tato divadla jmenovala, bez ohledu na to, jaké programy ukazovaly, hlavní v nich byl smích.

Akumulátorem smíchu a zábavy na představeních takových divadel byl bavič.

Nikita Baliev, podle definice A.G. Alekseeva, „byl moskevský bavič, nikoli moskevský bavič, ale moskevský bavič; na jevišti se objevil růžový, široce usměvavý, dobře živený, radostný milovník života, pohostinný majitel: Moskvan!“ (Alex to myslí vážně a viz str. 233)

Stojí za to si znovu přečíst kapitoly „Válka a mír“ L. Tolstého o starém hraběti Rostovovi a genealogie Balievova obrazu bude jasná. Byl opravdu takový? Jinými slovy, nosil „mejkap duše“? Ještě přesněji: vystupoval před veřejností „tak jak je“, nebo své vlastnosti „retušoval“, aby vytvořil určitý jevištní obraz? O tom, že tomu tak bylo, není pochyb. Dostatek důkazů o tom lze najít alespoň v článcích věnovaných Balijevovi. Zpravidla jsou nadšení. Balijev způsobí nespokojenost s kritiky, když se v hádce nechá příliš unést svým důvtipem a zraní své protivníky. Způsobuje výtky nejen proto, že mění celkovou atmosféru lehké zábavy - hlavní motto „The Bat“. A to nejen proto, že uráží člověka, který se s ním přihlásil do soutěže, a uráží nikoli jako rovný s rovným, ale jako hostitel, který zapomněl na pravidlo pohostinnosti. Ale hlavně proto, že vychází z obrazu, vystupuje z „masky“ nutné pro jeho umění.

Druhý zakladatel žánru, Konstantin Eduardovič Gibshman, měl konferenci v petrohradském divadle miniatur „Crooked Mirror“.

Na rozdíl od Balieva vytvořil masku baviče, nesmělého, zmateného, ​​deprimovaného potřebou vystupovat před veřejností. Jeho řeč byla nezřetelná, zmatená a přerušovaná dlouhými únavnými pauzami. Čísla byla oznamována nejasně, nepřehledně, s častým a zdánlivě zbytečným opakováním stejných slov. Pohyby se ukázaly jako překvapivě neobratné, omezené, neodpovídající tomu, co bylo řečeno. Všechno, co Gibshman udělal a řekl, bylo vnímáno jako čistá improvizace. Smutně se opakující výkřiky a dlouhé, vyděšené ticho bylo těžké zaměnit za pečlivě připravenou roli. Mezitím byly všechny povzdechy, váhání, gesta, pomíchané repliky zapamatovány a reprodukovány s takovým talentem a dovedností, tak přirozeně, že divák herci uvěřil.

Sám možná, a aniž by to tušil, vytvořil Gibshman jakousi parodii na první, takříkajíc masovou produkci ruských bavičů.

A pro herce účinkující v programu byl Gibshman dobrý, protože na pozadí neschopnosti, kterou simuloval, jejich výkony vždy zvítězily.

Potřebu baviče vžít se do postavy a tím i nejužší spřízněnost této profese s herectvím brilantně potvrzují aktivity na scéně Konstantina Gibshmana.

Při vytváření své image šel, jak se říká, z opačného směru. Než vstoupil na pódium, postava baviče na něm zdomácněla a postava baviče se ustálila. Rozhodně jde o duchaplnou osobu, odvážnou, vynalézavou, někdy i troufalou osobu – vlastnosti, které se staly důvěrně známými, standardní povinností každého baviče. V nejhorších příkladech se pozitivní vlastnosti změnily v negativní: svoboda chování v chvástavost nebo dokonce drzost, vtip v vulgárnost.

Lze si představit, jaký dojem na tomto pozadí udělala extrémně pytlovitá, nemotorná, absurdní postava – muž omezený, ba ohromený strachem, zjevně vytlačený proti své vůli na proscénium, zamotaný v záhybech závěsu, muž, který neposlouchá ani jedno. myšlenka ani jazyk! "Já... uh,... vidíš,... ano... teď před tebou... uh... my... ty..."

Byl Gibshman opravdu bezmocný a spoutaný? Vůbec ne. Byl to dobrý herec a před odchodem z jeviště úspěšně hrál v divadle, byl bystrý, živý a zdaleka ne bázlivý. Aby Gibshman vybudoval image, kterou přijal na jevišti, začal od charakteristické vlastnosti tvůj vzhled. S nadváhou, s chuchvalci vlasů lemujícími jeho pleš, s velkými ústy a očima, které se úsměv proměnil v štěrbiny, umocnil svou nešikovnost, „neumělečnost“ a vytvořil na jejich základě brilantní hereckou image – masku, jasně potvrzující základ umění baviče - transformace.

Mezi tvůrce konference v Rusku patří také Alexey Grigorievich Alekseev. Svou činnost zahájil v Oděse a Kyjevě a od roku 1915 vystupoval v petrohradských miniaturních divadlech „Liteiny Theatre“ a „Pavilion de Paris“.

Umělec vytvořil ironický obraz velkoměstského snoba vkládajícího se do jeho řeči Francouzská slova a frází a veřejnosti se to líbilo.

Všichni tito tři vynikající mistři ruského baviče měli obecnou kulturu nezbytnou pro tuto profesi. Baliev byl dříve hercem v Divadle umění, Gibshman byl inženýr, Alekseev vystudoval Právnickou fakultu Kyjevské univerzity, hovořil třemi cizí jazyky. Věděli, jak žije jejich publikum, zajímavě prezentovali čísla a hercům dobře pomáhali. A.G. dokázal udržet vedoucí pozici ve svém žánru déle než ostatní. Aleksejev.

Mezitím si Alekseev udržoval popularitu nejen jako bavič, ale také jako autor her, režisér a umělecký ředitel miniaturního divadla "Crooked Jimmy".

Aleksejevovým konferencím zpravidla dominovala vnitrodivadelní témata a parodie a vtipná vysvětlení čísel. Jeho reprízy přinesly zajímavý a nečekaný obraz pestrého života umění 20. let. To už se však současníkům začalo zdát nedostatečné. Mladí lidé mohli poslouchat slavného umělce spíše se zvědavostí než s opravdovým zájmem. Bavič, který vystupoval ve fraku a hlavně s monoklem, tedy úplně stejný jako v předrevolučním Petrohradě, působil slovy jednoho z recenzentů „příliš bonton“, jinými slovy buržoazní. .

Na rozdíl od Moskvana N. Balijeva byl A.G. Alekseev skutečným Petersburgerem. „Na pódium přišel hubený, neusměvavý nebo zlomyslně se usmívající, pečlivě oblečený, velmi milý, pohostinný, ale rezervovaný hostitel-partner: Petrohradec. V oku se mu leskl monokl."

Bavič musel být jakoby podobný sálu, vytvarovaný ze stejného těla a ducha. Ztělesňoval rysy svého současníka, jeho vzhled nápadněji, někdy až k jemné parodii. Balijev tedy vstoupil na proscénium z řad moskevské inteligence. Alekseev byl téměř zrcadlovým obrazem rafinovaného Petersburgera - byl to společenský člověk, který věděl hodně o sofistikovaném vtipu. Podobné postavy se objevovaly na ulici, v salonech, v divadlech a podobně literární večery. Pouze vzhled vytvořený Alekseevem byl velmi jemně okořeněn parodií.

Při propojování jeviště a sálu se bavič nemohl ubránit zvýšenému smyslu pro modernost ve všem – v myšlení, ve vtipech i ve vzhledu. Sebemenší zaostávání v jedné z těchto složek bylo zatíženo odloučením od publika, jeho lhostejností a někdy i ironickým postojem. Právě v tomto smyslu můžeme mluvit o změně image baviče. Toto neustálé přidávání publika (a tedy i restrukturalizace obrazu) bylo zvláště výrazné v obdobích, kdy se složení sálu radikálně měnilo. S revolucí se tak „světský“ Petrohrad, vytvořený A.G. Aleksejevem, stal minulostí, lidem se to líbí zmizeli ze života, už nebyli v sále a nový divák, který zaplnil řady sedadel, když ho viděl na proscéniu, ho kategoricky odmítl.

"Ve 20. letech," vzpomíná A.G. Alekseev, - v Anglii byl premiérem Chamberlain, nejhorší nepřítel sovětského lidu. Ve všech svých karikaturách a plakátech byl zobrazován s monoklem, často zvětšeným, aby byla kresba výraznější.

A další buržoazie, „hrdinové“ Dohody, vojenští i civilní, byli zobrazováni s monoklemi, takže tento kus skla se stal téměř emblémem kontrarevoluce.

Ale nenapadlo mě to a dál jsem se objevoval na pódiu s monoklem. V roce 1926 se v Charkově konal jakýsi grandiózní koncert. Když jsem řekl něco vtipného, ​​najednou se z galerie ozval mladý, energický hlas:

Bravo, Chamberlaine!

A nastal všeobecný smích. Ale nebyl to Alekseevův důvtip, čemu se smáli, ale Alekseev sám se smál. Tak to dopadá, když i v tom nejmenším detailu ztratíte v divadle pojem o čase a době!

Samozřejmě, ve stejný den byl monokl archivován!“ (Alekseev, ser. a viz čl. 259)

Včasnost zrodu této profese potvrzuje její téměř okamžité rozšíření. Nyní je dokonce obtížné oddělit data vystoupení Nikity Balijeva v Moskvě a Alexeje Grigorijeviče Alekseeva v Petrohradu. Objevili galaxii brilantních mistrů tohoto žánru. Po nich následovali K. Gibshman, A. Mendělejevič, P. Muravskij, později M. Garkavi a mnoho dalších.

Byli to baviči, kteří jako zkušení kuchaři dochucovali představení těmi správnými dávkami soli, pepře a koření a ještě více utužili těsné propojení jeviště a sálu. Diváci v takových divadlech, jak se to stalo od jejich předka - scénografa, byli do představení aktivně vtahováni. Repliky se hrnuly nejen z jeviště do sálu, ale také ze sálu na jeviště, respektive na proscénium, k baviči.

Profese baviče pak vyžadovala improvizaci, bleskové reakce a samozřejmě brilantní vtip, protože publikum bylo aktivně vtaženo do hry a nezůstalo ticho. Mezi diváky byli zkušení chytráci. Běda baviči, který ze „slovních bitev“ nevyšel jako vítěz.

Nemá smysl uvádět příklady vtipu, který byl více než půl století starý a dokonce se zrodil náhodně, v určité situaci a atmosféře. Ale stojí za to uvést příklad vynalézavosti baviče; je to poučné. Vtip je samozřejmě dar přírody, ale jako každý talent vyžaduje rozvoj, výchovu a výcvik. Totéž platí pro vynalézavost. Pomalí lidé (stejně jako lidé s organickými vadami řeči) by si neměli vybírat povolání moderátora nebo baviče. Ale je možné, nutné, nutné osvobodit svůj přirozený dar. A zde jsou úspěšné vzorky věrnými pomocníky.

A.G. Alekseev vzpomíná, že během NEP netvořili nejlepší část sálu různí podnikatelé, kteří vylezli z kdoví jakého úkrytu, často s velkým kapitálem, ale s velmi malou zásobou kultury. Jeden z těchto návštěvníků se na vrcholu důvtipu rozhodl odrazit vtip zvoláním „bastarde“. To zmátlo i tak zkušeného baviče, jakým je A.G. Alekseev. „...Ale musím odpovědět,“ vzpomíná, „a začal jsem mumlat, že prý jsme se naučili rozumět politice, ale pořád nerozumíme humoru, a přitom jsem si horečně říkal: tohle není ten druh přednášky, kde jsem na proscéniu, ale když vypadneš s vtipem, ani to neřekne; No a co? Co?! V tu chvíli divadelní ředitel... běžel do zákulisí: "Dejte světlo do sálu!" Dali - a to mě zachránilo! Okamžitě jsem se otočil k pódiu a řekl: „Ne, vypněte to, nechci vidět, co jsem slyšel!“ (1 Alekseev, vážný a zábavný. 1967, str. 270)

Půvabný knockout! Vyhradit si poslední a „nezlomitelné“, nesporné slovo ve verbálních soubojích bylo brilantní vlastností, nedílnou podmínkou profese baviče. Popové legendy uchovaly mnoho příběhů o slavných vítězstvích, neodolatelných odpovědích a nehynoucích vtipech.

Baviči „prvního volání“ se vyznačovali svými bystrými osobnostmi. Každý člověk na pódiu předvedl určitý obraz se zdůrazněným charakterem.

Schopnost bleskurychlé a vítězné protirepliky, která byla u předchozích bavičů úžasná, byla plodem nejen talentu, kultury, ale jako v každé profesi nutně práce, školení a vstřebávání cizích zkušeností. Mnoho bavičů, včetně A.G. Alekseeva, považuje Vladimira Majakovského za svého nejlepšího učitele. Příběhy o tom, jak básník promlouval k publiku, jak důkladně porazil své protivníky, se staly učebnicí, mnohé jeho vtipy a poznámky vstoupily do našeho každodenního života jako rčení.

Pro baviče je povinné proměnit se v určitý jevištní obraz. (Shcherbakovův koncert a jeho úprava. 1974. s. 5-15.)

Ano, umění baviče bylo původně vlastní a vyžaduje vnitřní transformaci, vnitřní restrukturalizaci a „upravení“ do trvalého obrazu. Jeho chování na tomto snímku záviselo na složení publika a na různých situacích, často nečekaných.

První baviči tak konstruovali svůj obraz ze svého vlastního „materiálu“ a zdůrazňovali vlastnosti, které jim dává jejich charakter a život.

P Ritcha je alegorický příběh charakterizovaný mravním patosem a didaktikou, nejčastěji náboženskou (množství podobenství v evangeliu, zejména „Podobenství Šalomouna“). Někdy se podobenstvím říkalo bajky (A. Sumarokov).

Podobenství- malá epická prozaická forma, mravní učení v alegorické formě. Podobenství se od bajky liší tím, že svůj umělecký materiál čerpá z lidského života (evangelní podobenství, Šalomounova podobenství).

E To je zřejmě nejsvobodnější forma prezentace autorových myšlenek. Eseje často nesou rysy paradoxu, porušují všechny zákonitosti „čistých“ žánrů a často v sobě zahrnují styly vědecké, publicistické i beletristické.

Eseje mají dlouhou historii. Za jeho nejznámějšího představitele, téměř duchovního otce, je považován M. Montaigne se svými „Zážitky“.

Esejci byli lidé, kteří i ve svých uměleckých dílech tíhli k naléhavým společenským problémům. Byli jim nablízku přírodovědci, kteří spěchali, aby čtenářům zprostředkovali své, byť ještě ne zcela zformované, názory na přírodu. Někdy esejisté zamýšleli svými texty polemizovat něco, co se dočkalo všeobecného uznání. Taková je Puškinova „Cesta z Moskvy do Petrohradu“ a „Deník spisovatele“ F. Dostojevského, kde jednotlivé části rozsáhlého vyprávění spolu tematicky příliš nesouvisí, ale obsahují určitou filozofickou a publicistickou výzvu veřejnému a literárnímu mínění.

Vstupenka 10

Lyrické žánry: elegie a óda, epigram a epitaf

Elegie(z řečtiny eleos- žalostná píseň) - malá lyrická forma, báseň prodchnutá náladou smutku a smutku. Obsahem elegií jsou zpravidla filozofické úvahy, smutné myšlenky a smutek.

Elegie(starořecky ἐλεγεία) - žánr lyrické poezie. V moderní evropské poezii si elegie zachovává ustálené rysy: intimita, motivy zklamání, nešťastné lásky, osamělosti, křehkosti pozemského bytí, určují rétoriku při zobrazování citů; klasický žánr sentimentalismu a romantismu.

Elegie v ruské literatuře

Žukovskij nazval svou báseň „Moře“ elegií.

V první polovině 19. století bylo běžné dávat svým básním titul elegie, zvláště Baratynskij, Jazykov a další jejich díla často nazývali elegie; následně však vyšel z módy.

Elegie - lyrické dílo se smutnou náladou. Může to být žalostná, truchlivá báseň o neopětované lásce, úvaha o smrti, o pomíjivé povaze života, nebo to mohou být smutné vzpomínky na minulost. Nejčastěji jsou elegie psány v první osobě.

Elegie (latinsky elegia z řeckého elegos žalující melodie flétny) je žánr textů, který popisuje smutnou, zádumčivou nebo zasněnou náladu, jde o smutnou úvahu, básníkovu úvahu o rychle plynoucím životě, o ztrátách, rozchodu s rodná místa, s blízkými, o tom, že radost a smutek se proplétají v srdci člověka... V Rusku se rozkvět tohoto lyrického žánru datuje na začátek 19. století: elegie napsal K. Batyushkov, V. Zhukovsky, A. Puškina, M. Lermontov, N. Nekrasov, A. Fet; ve dvacátém století - V. Brjusov, I. Annensky, A. Blok a další.

Vznikl ve starověké poezii; původně to byl název pro pláč nad mrtvými. Elegie vycházel z životního ideálu starých Řeků, který byl založen na harmonii světa, proporcionalitě a rovnováze bytí, neúplný bez smutku a kontemplace; tyto kategorie přešly do moderní elegie. Elegie může ztělesňovat život potvrzující myšlenky i zklamání. Poezie 19. století nadále rozvíjela elegii v její „čisté“ podobě, v textech 20. století se elegie nachází spíše jako žánrová tradice, jako zvláštní nálada. V moderní poezii je elegie bezdějová báseň kontemplativního, filozofického a krajinářského charakteru.

Ach jo(z řečtiny óda- píseň) je malá lyrická forma, báseň, vyznačující se vážností stylu a vznešeností obsahu.

Ach jo- básnické, ale i hudební a básnické dílo, vyznačující se vážností a vznešeností, věnované nějaké události nebo hrdinovi.

Je nemožné pochopit moderní procesy, které proměňují vzhled sovětské písně, aniž bychom se obrátili ke klasice, k dílu jejích zakladatelů. Koneckonců to byli oni, kdo stanovil umělecké principy, které dnes přinesly tak působivé výsledky. Právě tyto osobnosti sovětského umění vytvořily tradice, které se v následujících desetiletích dále rozvíjely. Písně mistrů písňového žánru jsou populární dodnes. Zpíváme je spolu s módními díly, která nedávno vstoupila do našeho kulturního života.
Sovětská píseň zachycovala éru socialistické revoluce, hrdinská léta stvoření i historické osudy naší země. Proto je příběh o ní také příběhem o slavné kronice lidu. Z „March of Budyonny“ od Dmitrije Pokrasse, který zpívali členové Komsomolu ve svých vyhřívaných vozidlech občanská válka, k „Písni úzkostlivého mládí“, která zněla ve stanech Komsomol-celinniků, od „Slavíků“, které napsal V. Solovjov-Sedy, po „Den vítězství“ D. Tukhmanova – jedno nepřetržité vlákno kreativity, skvělé, vlastenecké city.
Sovětská píseň byla s těmi, kteří bojovali proti fašistickým vetřelcům, stavěli města a továrny a pěstovali panenskou půdu. S písněmi bojovné a občanské intenzity naše starší generace útočila na poválečné potíže, chodila na staveniště, snažila se zachovat mír, aby zemi pozdvihla k novým úspěchům. Právě to stálo u zrodu vesmírného eposu.
Zvláštní místo v našem hudebním umění vždy patřilo vlasteneckým písním, které nesou vysoké ideály občanství. Právě v něm je nejzřetelněji ztělesněn duch tvorby a kreativity vlastní naší socialistické společnosti. Jeho místo v duchovním životě lidí je opravdu těžké přeceňovat. Pramen a vrchol hudebního umění, vlastenecká píseň jde ke kořenům lidového umění a čerpá z nich nejen melodickou bohatost, jedinečnost barev, ale také hloubku a upřímnost citů, které vlastní každý, kdo nezištně, synovsky miluje svou vlast, svůj lid. .
V 50. letech se písňové umění nevracelo jen k tématům, která zaznívala v předchozích desetiletích. Život je rozmanitý, a tak píseň reagovala na společenské problémy diktované dobou. Tvorba sovětských skladatelů obsahovala nová témata: oslavování hrdinství lidí, kteří rozdrtili fašismus, boj za mír a návrat k práci.

Jednu z nejjasnějších stránek v historii sovětské písně napsal vynikající skladatel Hrdina socialistické práce, lidový umělec SSSR, laureát Leninových a státních cen SSSR. Vasilij Pavlovič Solovjov-Sedoy(1907-1979). Jeho díla navždy vstoupila do naší pokladnice. hudební kultury. Narodil se v Petrohradě. V mládí působil v amatérské umělecké skupině. V roce 1936 absolvoval Leningradskou konzervatoř.
Již první písně V.P. Solovyova-Sedoye, napsané v předválečném období, se staly široce známými. Ale skutečná tvůrčí zralost a s ní národní uznání se u skladatele dostavily v drsných dobách Velké Vlastenecká válka. Písně, které v těch letech vytvořil, pomáhaly obráncům vlasti bojovat s nepřítelem a dobýt vítězství na frontě i vzadu. Jeho díla jako „Večer na silnici“, „Hraj, můj knoflíkový akordeon“, „Po čem toužíš, soudruhu námořníku“, „Slavíci“, „Na slunné mýtině“ a mnoho dalších nádherných písní zůstane navždy v paměť lidí.
Dílo V.P. Solovyova-Sedoye se stalo nedílnou součástí duchovního života sovětského lidu i v letech mírové výstavby. Vyznačoval se žánrovou rozmanitostí. Skladatel psal studentské písně, pochodové písně, silniční písně, veselé pochody, vtipné kuplety a lyrické romance. Ohnivý patriotismus a vášnivé občanství se v jeho umění snoubily s oduševnělou lyrikou, srdečností a dobrou náladou. Proto takové jeho písně jako „Je čas vyrazit na cestu“, „Dlouho jsme nebyli doma“, „Píseň o Leningradu“, „Na cestě“, „Pochod Nakhimovitů“, „ Versts“, „Kdyby jen kluci z celé Země“, se staly skutečně populárními a legendární „Moskevské večery“ jsou slyšet v jazycích celé planety.
Tato píseň získala první cenu a velkou zlatou medaili na písňové soutěži VI. Mezinárodního festivalu mládeže a studentů v roce 1957. Americký pianista Van Cliburn na závěr svého rozlučkového koncertu v Moskvě po první Čajkovského soutěži představil publiku nádherné instrumentální aranžmá. písně. Dílo V. Solovjova-Sedoje se stalo jakýmsi hudebním symbolem našeho hudební život. Píseň je skutečně dojemná, nese zvláštní dar družnosti, nedobrovolně vás vtahuje do prvku nálady ztělesněné v tomto díle. Toto nádherné dílo si získalo celosvětové uznání a zaslouženě se stalo ozdobou naší písňové pokladnice. Úvodní fráze „Moskevské večery“ nyní zní jako volací znak moskevské rozhlasové stanice „Mayak“.
Skladatel měl schopnost odhalovat vysoká společenská témata bez deklamace, bez falešného patosu. Vzpomeňme na píseň „Far Away Aspens“. Jeho obsah je širší než tradiční forma intimní romance. I přes použití jednoduchých výrazových prostředků, píseň zní ve valčíkovém rytmu, skladatel vytváří zobecněnou představu o vlasti: "Ale krásnější zemi nenašli!"
V. Solovjov-Sedoj vytvořil přes tři sta písní. Jsou mezi nimi takové skvosty jako „Hraj, můj knoflíkový akordeon“, „Večer na nádvoří“ (1941), „Píseň pomsty“ (1942), „Na slunné mýtině“ (1943), „Slavíci“, „Říkala nic“ (1944), „Dlouho jsme nebyli doma“, „Naše město“ (1945), „Jede chlap na voze“, „Noci se rozjasnily“ (1946), cyklus „Příběh vojáka“ (1947), „Kde jsi, má zahrada“ (1948), „Pochod Nakhimovců“ (1949), „Milníky“ (1951), „Večery u Moskvy“ (1956), „ Kdyby tak chlapi celé Země“ (1957), cyklus „Severní báseň“ (1967) a další .
Řada jeho děl se zrodila na cestách, v živém kontaktu s posluchači, představiteli různých profesí, pod přímým dojmem rozvíjejícího se panoramatu komunistické výstavby u nás. Na konci 70. let skladatel navštívil například Kamčatku - s rybáři a pohraničníky a na pozvání japonských hudebníků odjel do Japonska.
Krátce před svou smrtí dokončil V. Solovjov-Sedoj cyklus, respektive sbírku písní na básně G. Gorbovského, S. Fogelsona, A. Šutka, M. Rumjancevové. „Moji současníci“ je název sbírky. Mezi nimi: „Duma“ - úvaha o mladší generaci, o budoucnosti Země (ve formě veršované balady) a „Fidgets“ - živá píseň prodchnutá náladou úzkosti a romantikou vzdálených toulek. „Obelisky“ zachycují vzpomínku na válku a padlé vojáky:
Jako kabát je nad nimi step,
Kolik zim a kolik let.
V poli potkáš obelisk,
Pokloň se až k zemi, klaň se až k zemi!
Jedna z písní této sbírky, „Victory Train“, je napsána v pochodovém tempu. Odráží pocity těch chlapů, kteří v roce 1945 vítali vlaky vojáků vracejících se ze západu. Ve sbírce jsou i lyrické stránky, například „Šikovný baryton“ nebo „Bylo to“ o lásce, o jaru, o „chrastících slavících“. Tento cyklus končí „Ódou na člověka“, který přišel na Zemi, aby „znovu udělal věčnou pozemskou věc“.
V minulé roky Během svého života napsal V. Solovjov-Sedoj dva písňové cykly na básně G. Gorbovského. První z nich se nazývá „Northern Poem“. Hovoří o práci sovětských lidí, kteří se nebojí tvrdých pracovních podmínek, o přátelství, o lásce. V tomto cyklu se písně střídají s poezií. Je příznačné, že samotní zpěváci rádi četli poetická díla. Prvním interpretem „Severní básně“ byl Leningrader V. Zhuravlenko, druhým byl Moskvan S. Jakovenko.
V dalším cyklu V. Solovjova-Sedoje „Jasné písně“ je dvanáct skladeb. Jejich obsah lze posoudit podle druhého názvu cyklu - „Píseň lásky.“ Intonace těchto písní je živá, srdečná, laskavá. Nejlepší čísla tohoto cyklu - „Putnaja“, „Píseň hvězd“, „O Rusku“ – se vyznačují „Sedovovou“ (jak se nyní často říká o hudbě tohoto skladatele) spontánností.
Spojování písní do cyklů, touha realizovat plán v několika dílech, propojených tematicky, je jednou z tradic sovětského písňového umění. V posledních letech získala nové vlastnosti, se stal znatelným uměleckým fenoménem a o tom si povíme dále. Uvnitř smyčky"
V. Solovjov-Sedoj nemá žádnou konkrétní dějovou sekvenci. Hrdina cyklu se nejprve vydá na cestu a pak se na cestě rozloučí se svou milovanou. Vyznání, dokonce i druh přísahy věrnosti, jde ruku v ruce s výrokem: „Nemilovali jsme se, sám to chápu.“ Takové záměrné odmítnutí následovat logiku děje má však jednoduše vyjádřit zvláštní „logiku“ duševních stavů a ​​není zaměřeno na ukázku jejich vývoje v čase.
Dílo V. Solovjova-Sedoje je hluboce moderní, odráží ducha naší doby, vnitřní svět sovětského člověka. Je skutečným klasikem sovětské písně, tvůrcem nadčasových, nádherných děl. Jeho tradice úspěšně rozvíjí mnoho moderních skladatelů. A celá intonační struktura jeho textů si nyní zachovává svěžest a hloubku.
V poválečné tvorbě zakladatelů písňového žánru - M. Blantera, S. Katze, K. Listova, A. Novikova, B. Mokrousova, A. Chačaturjana, T. Khrennikova a mnoha dalších - se rozvinula další tradice, která je dnes neustále obohacována. Hovoříme o touze těchto mistrů žánru vytvářet ve svých dílech sociální portréty doby. Například v poválečných letech hrdina písně - demobilizovaný "strážný četař", spolubojovník, "vynikající traktorista", dívka z dělnické vesnice, tkadlec z malého města, člen Komsomolu bojující za mír – získal specifické moderní zobrazení. Galerie obrazů odrážených v písni byla v následujících letech neustále doplňována o nové společensky významné postavy.

Taková portrétní bohatost je vlastní zejména kreativitě Matvey Isaakovich Blanter(nar. 1903). Je lidovým umělcem SSSR (1975), laureátem Státní ceny SSSR (1946). Jeho „Kaťuša“ je světově proslulá. Odborníci počítají téměř sto variant této písně, které jsou různými verzemi původního zdroje básně M. Isakovského. Hrdinkou díla se ukáže být partyzán, parašutista, zdravotní sestra a učitel. „Kaťušu“ miloval sovětský lid, a proto je zcela přirozené chtít tento obraz personifikovat, přiblížit jej co nejblíže podobnému typu.
Když se dnes děla M. Blantera, je to skutečně přehlídka milovaných písní ztělesňujících tak známé obrazy. Jeho písně jsou tematicky i žánrově různorodé. Skladatel vytvořil mnoho lyrických, smutných i veselých písní, např.: „Není lepší květina“, „Zlatá pšenice“, „V městské zahradě“, „Tahoví ptáci létají“, „Třešeň ptačí“, „Před dlouhou cestou .“ Jeho skladby znějí moderními texty. Skladatel má jasný melodický dar. Dobře zná schopnosti lidského hlasu a neustále se snaží o emocionální bohatost a originalitu lyrického projevu.
V dílech M. Blantera se lyrika snoubí s hrdinstvím. Psáním expresivních lyrických písní skladatel rozšířil možnosti žánru, vlastně vytvořil jeho pestrost. Dramatická báseň „Jak sloužil voják“ byla napsána pro hru podle hry K. Simonova „Počkejte na mě“. Pamatujete si tento příběh, tak srdcervoucí? Voják se vrací domů a nenajde svou ženu živou. Jeho dcera se s ním setkává, a protože uplynulo 25 let, válečník si myslí, že je to jeho žena. Zprávy o smrti milovaného člověka uvrhne hrdinu do stavu bolestného smutku.
Píseň vyjadřuje smutek ruského vojáka z éry Denise Davydova. Ale je úžasné, že pocit válečníka, který se vrátil do zničeného krbu a celou svou duší cítil míru času, jeho nemilosrdnost vůči nepříteli, se ukázal jako velmi shodný s naším současníkem, osvobozujícím válečníkem. sovětští vojáci Svůj osud viděli v obrazu hrdiny písně, protože mnozí z nich museli vidět zničené vesnice a města, své blízké zabité nacisty. Po provedení ve hře se píseň dostala do popředí.
Intonační struktura písní M. Blantera je velmi jedinečná a bohatá. Obrací se k ruským lidovým melodiím, revolučnímu patosu a městskému folklóru. A pokaždé se volba textu a kreativního řešení jeví nečekaně, i když někdy velmi jednoduše. Skladatelův záměr je vždy jasný, jasný a emotivní.
A i dnes si M. Blanter stále uvědomuje potřebu jedinečné emocionální reakce na události naší doby. Například téma vesmíru naši skladatelé zpracovávají různými způsoby, v souladu s tvůrčím stylem každého jednotlivce. Mnozí se snaží vyjádřit neobvyklost tématu hledáním nových intonačních vzorců, rytmů a doprovodu. Let vesmírné rakety se snaží proslavit neobvyklým („nadpozemským“) zvukem melodie a novou žánrovou expresivitou. A M. Blanter v písni, kterou dobře znáte, „Before a Long Road“, zvolil tradiční ruský valčík. To umožnilo skladateli vyhnout se abstrakci a strnulosti. Nápad získal lehce posměšný, prostoduchý a zároveň hluboce lidský nádech.
V poválečných letech zaujímalo v písňové tvorbě sovětských skladatelů významné místo téma boje za mír. Mezi nejlepší díla patří „Podej mi ruku, vzdálený soudruhu“ od S. Katze (slova A. Safronova), „Na obranu míru“ od V. Bely (slova I. Frenkela), „Jsme pro mír “ od S. Tulikova (slova A. Zharova), „Hymna Mezinárodní unie studentů“ od V. Muradeliho (slova L. Oshanina).

Jako první se věnuje tématu boje za mír Anatolij Grigorjevič Novikov(nar. 1896). Právě on se stal tvůrcem tohoto typu písňového umění. První cenu získala „Hymna demokratického mládí“, kterou napsal na písňové soutěži Světového festivalu mládeže v Praze (1947). O dva roky později Světová federace demokratické mládeže prohlásila toto dílo za oficiální hymnu světové demokratické mládeže.
Jak se píseň zrodila? Skladatel četl novinovou zprávu, že studenti aténské univerzity, kteří odmítli vstoupit do monarchistické armády po odvodu, byli zastřeleni v Řecku. Spolu s básníkem L. Oshaninem vytvořil skladatel protestsong. Je prostoupena náladou úzkosti, ostražitosti, ale zároveň je voláním a přísahou. Hudba „Hymny demokratické mládeže“ spojuje různé vrstvy písní. Jedná se především o melodie francouzské revoluce, která je zdůrazněna spojením pochodu a tance. Do intonační struktury díla tak proniká duch francouzské „Carmagnola“. Píseň také zprostředkovává atmosféru melodií ruské revoluce. Rytmická elasticita „Anthem“ svým způsobem ztělesňuje tradice „Marseillaise“ a „Internationale“. Na základě těchto intonací se A. Novikovovi podařilo vytvořit hluboce moderní a originální skladbu.
Píseň začíná v mollové tónině. Zní to jako pochod, jasně:
Děti různé národy,
Žijeme sen o míru.

Refrén napsaný v durové tónině vytváří zvláštní kontrast k začátku díla. Takovéto obrazné a dramatické řešení má však zdůraznit důslednost ve vývoji tématu – asertivní, odvážné, vyzývající k jednotě. Zde se v refrénu překrývají vokální a instrumentální části (s opakováním slov „mládí“ a „nemůžeš zabít“). Tato technika se používá k vytvoření efektu obrovského prostoru, čímž je zdůrazněna monumentalita tématu.
Po Praze se konaly mládežnické a mírové kongresy v Budapešti, Berlíně, Varšavě, Moskvě a Helsinkách. A v sovětském písňovém umění se stalo tradicí vytvářet nové skladby, které odhalují hloubku a naléhavost tohoto tématu. V této sérii jsou písně V. Muradeliho „Hymna studentů“, D. Šostakoviče „Píseň míru“, S. Tulikova „Jsme pro mír“, I. Dunaevského „Mouchej, holubice“, V. Solovjov -Sedoy "Kdyby jen chlapci z celé Země"
V díle nejstaršího sovětského skladatele, lidového umělce SSSR, laureáta státní ceny A. Novikova, se plodně rozvíjejí tradice založené v revolučním písňovém umění roku 1905. V jeho dílech se projevuje hluboké spojení s figurativní strukturou ruského lidového umění. , voják a revoluční písně je hmatatelný. Skladatel však používá tento intonační systém, aby přesně odhalil skutečný obsah nedávných událostí.
Skladatel píše písně o vlasti, o večírku, o přátelství s národy cizí země. Mezi nejlepší díla A. Novikova patří „Odchod partyzánů“, „Píseň o Kotovském“, „Pět kulek“, „Cesty“. Píseň „Odchod partyzánů“ obsahuje bohatý děj. Jeho zbarvení je veselé a veselé. Zároveň skladatel nachází různé intonace pro něžné rozloučení partyzánů s dívkami, pro vyjádření smutku z loučení s domovem svého otce, pro hrdinskou výzvu k rodné zemi.
A. Novikov napsal mnoho písní pro armádní sbory. Podařilo se mu najít nové intonace a nové snímky, které odrážejí život sovětské armády. Slavnost a patos v jeho dílech koexistují s úsměvem, ironií a nadšením. Mezi jeho skladby patří pochody, cvičení, komické písně, písně a kuplety: „Píseň mladých vojáků“, „Puška Tula“, „Vasya-Chrpa“, „Samovars-Samovars“, „Kde orel roztáhl křídla“.
Písně A. Novikova jsou rozmanité povahy. Někdy slavnostní a hymnické („Hymna demokratické mládeže“), jindy vroucně veselé („Smuglyanka“), zamyšleně elegické („Cesty“). Skladatel napsal mnoho děl určených pro sborové provedení.
V přísném refrénu písně „Roads“ lze v jejím melodickém vzhledu a struktuře vysledovat spojení se starodávnou ruskou písní. Skladatel v tomto případě vyjadřuje nereportážní, momentální vnímání lákavé cesty. To je úvaha o projetých cestách, vnitřně sebraných, vážných. Refrén písně je emotivnější a otevřenější. Snoubí se tak touha vytvořit určitý zobecněný obraz životních cest s jednoduchostí a spontánností lyrického projevu. „Roads“ je názorným příkladem spojení textů a reflexí.
A. Novikov miluje lidové melodie a neustále zdůrazňuje blízkost své intonační struktury k této nevyčerpatelné pokladnici. Mnohokrát řekl, že ruské lidové písně a krásné soulové melodie jsou známé po celé Zemi. Složené z ruských pecek se staly národním pokladem a staly se perlou ve zlatém fondu naší písňové kultury.

Další tradicí 50. let je vytváření v umění písně kolektivního obrazu strany, lidí a země. Vývoj tohoto tématu je spojen s takovými skladateli jako A. Kholminov, S. Tulikov a další autoři. Serafim Sergejevič Tulikov(nar. 1914), lidový umělec RSFSR (1973). Vytvořil více než tři sta písní, například „Jsme pro mír“, „Jsme komunisté“, „Pochod sovětské mládeže“, „To se už nikdy nestane“ a další. V roce 1951 obdržel Státní cenu SSSR. Tulikov je často nazýván mistrem hudebních plakátů. Skladatel se snaží syntetizovat intonace odlišného původu. Žánru hymny se snaží podat lyrickou interpretaci. Prvky nejen písňového, ale i romantického původu jako by tlumily zvučnost fanfár a dodávají jí poetické zabarvení. Skladatel má schopnost „řetězit“ odvážná lyrická témata do pochodového rytmu.
Při ztělesnění Leninova tématu je důležitý i vlastní striktní vnitřní postoj pro jeho velký společenský význam. Již více než čtvrt století je píseň S. Tulikova „Lenin je vždy s tebou!“ živě na pódiu mezi lidmi a přitahuje nové posluchače. To se psal rok 1955. slova Lva Oshanina. Skladatel říká, že počátky tohoto díla sahají k nezapomenutelným dojmům z jeho dětství. Jasně si pamatuje rychle mizející zimní den v Kaluze. Chlapec, budoucí skladatel, ponechaný doma nečekaně uvidí své rodiče, kteří se ve zmatku vrátili domů. V jejich tvářích je zmatek: Lenin zemřel! Tato vzpomínka se podle skladatele uložila v duši spolu s truchlivým zvukem pípnutí - rozloučením lidí s největším z lidí, za zvuků Beethovenovy „Appassionata“, které tehdy zazněly poprvé. Po vyjádření těchto zkušeností v písni „Lenin je vždy s tebou!“ zůstal Tulikov věrný Leninovu tématu po celá desetiletí.
Výrazové prostředky, které skladatel používá, jsou záměrně skromné. Autor hledá intonace, které by zprostředkovaly živý, lidský vzhled vůdce. Melodie se vyvíjí pomalu a doprovod akordů je stejně měřen:
Roky plynou den za dnem – úsvit nových generací.
Začátek písně s celou svou strukturou slibuje slavnostní, patetický zvuk. Ale v refrénu se objevuje jiný vývoj tématu, jakoby kontrastující s refrénem. Zde nečekaně narůstá spontánní, srdečná intonace („Lenin je stále naživu“), která svou upřímností vůbec neruší monumentalitu obrazu, ale zdůrazňuje jednoduchost a velikost samotného tématu. Tato technika umožňuje nasytit hudbu lyrickými intonacemi a vyhnout se tak chladné pompéznosti.
Od té doby, více než čtvrt století, vytvořil skladatel mnoho děl věnovaných Iljičovi. V každém z nich našel nové příležitosti k odhalení obrazu velkého vůdce. Jmenujme taková díla jako „Lenin, Party, Peace“ (slova L. Oshanina),
„Iljič volá z obrněného auta“ (slova A. Tangova), „Myslím na Lenina“, „Jsme lidé Leninského století“ (slova V. Lazareva), „Končíme, soudruhu Lenine ““, „Poslouchejte Lenina“, „Potopa“ (slova V. Kharitonova).
S. Tulikov dnes navrhuje oživit žánr masové, optimistické písně, která se zrodila z revoluce a pohltila rytmy a intonace socialistického systému. Civilní, otevřeně politická píseň podle něj určitě může a musí být humánní a lyrická. Zdůrazňuje, že žánr je nemyslitelný bez originality, národní intonace vyjadřující hluboký ideový obsah.
Z nejnovějších děl S. Tulikova s ​​revolučně-vlasteneckou tematikou lze jmenovat např. „Rudá Presnya“ (slova P. Gradova), věnovaná hrdinskému činu moskevských dělníků v letech velké revoluce, „Slavica do října “ (slova P. Gradova), „Vatry naší revoluce“ (slova N. Dorizo), „Leninova strana“ (slova Yu. Polukhin), „Moje matka Rusko“ (slova S. Ostrovy). Skladatel ve skutečnosti ukázal nevyčerpatelnost Leninova tématu pro sovětské písňové umění.
Leniniana, jehož autorem je S. Tulikov, je doplněna dalšími díly vlasteneckého obsahu. Píseň „Sovětský pas“ (slova M. Plyatskovského) tedy vyjadřuje pocit nesmírné hrdosti občana SSSR na jeho mocnou a svobodnou Rodii. Lyricko-vlastenecké dílo „Proto žijeme“ (slova téhož básníka) má charakter optimistického pochodu. Melodie se rozvíjí pomalu, důstojně:
Proč se rodíme? Pro boj a práci.
Řešení leninského tématu v sovětském písňovém umění je někdy spojeno s hledáním národních výrazových prostředků. Tak „Mountain Song“ od M. Blantera (slova R. Gamzatova, překlad Y. Kozlovského) zahrnuje rytmus Lezginky. Tato národní obraznost spojená s pokusy o reprodukci zvuku lidových nástrojů dodává dílu originalitu a svěžest. Tato píseň, věnovaná V.I. Leninovi, odráží téma široce, široce, ale zároveň emocionálně a lyricky.
V 50. letech se také objevily nové písně lyrického a romantického obsahu, které položily další tradici sovětské písňové kultury. Jednou z nich je „Mouchej, holubičky“ od I. Dunaevského (slova M. Matušovského) – první lyrická mešní píseň o míru. Otevřela cestu pro díla tohoto směru. „Její hudba,“ jak expresivně poznamenal A. Sokhor, „má jemnou sametovou znělost, s jemným kolébavým doprovodem (v povaze Schubertových serenád a barkarol) – plyne v hladkém průzračném proudu, navozuje pocit ticha, míru, kolem vládne harmonie."
Sovětské písňové umění 60. let ovládlo nejen žánrové možnosti pochodu („Je čas vyrazit na cestu“, „Pochod Nachimovců“, „Student's Passing“ od V. Solovjova-Sedoye, „The Years Will Pass“ od V. Zacharova, „Student“ T. Khrennikova), ale také valčík. Mezi mladými stále milujeme „Školní valčík“ od I. Dunaevského, který skladatel napsal na přání absolventa voroněžské školy. Nadšená, zasněná melodie odráží náladu smutku a inspirace. Je prostoupena pocitem budoucího štěstí, volajícího do neznámých dálek.
Povznesená romantická intonace byla vlastní i dílům o mládí, o dalekých cestách a o grandiózních stavebních projektech. Zpěvná melodie, vyjadřující přísahu a aspiraci do budoucnosti, je vlastní písni V. Zacharova „The Years Will Pass“ (slova M. Isakovského). Zde lze zmínit i optimistické, „inspirované“ písně T. N. Khrennikova – „Student“ (slova A. Kovalenkova) a „Vlak jede rychleji“ (slova M. Světlova).

Dílo T. N. Khrennikova zaujímá přední místo v sovětské opeře, symfonii a písňové romantické hudbě. Tichon Nikolajevič Chrennikov(nar. 1913) obohatil hudbu o nové nápady a obrazy. Skladatel - veřejná osobnost, Lidový umělec SSSR (1963), Hrdina socialistické práce (1973). Posouval hranice písničkářství. Tento průkopník žánru má melodický dar, schopnost vytvořit melodii plnou krásy, jedinečné svěžesti a emocionálního kouzla. Svižné, veselé rytmy, uvolněná veselost, mladistvá zvučnost – to vše s sebou přinesly písně T. Khrennikova.
Skladatel používá takové výrazové prostředky, které jakoby nevyhnutelně dávají vzniknout velkému jasu palety. V písni „Farewell“ se pochodová chůze projevuje zdrženlivým, jasným a tlumeným způsobem. A v dalším díle, „The Artillerymen’s Song“, také napsaném během války, pochody nabývají nadšení, odvahy a domýšlivosti.
Khrennikovova inherentní intonační dramaturgie mu umožňuje zprostředkovat hrdinské obrazy. Vždy jsou zde kontrastní juxtapozice, které umožňují transformovat moll na dur a vyjádřit napětí a spiritualitu tématu. Týká se to například „Pochodu horníků“, který oceňuje práci horníků. A zde skladatel využívá svůj oblíbený typ modální dramaturgie. V díle T. Khrennikova převládají melodické, promyšlené písně, mající určitou národní příchuť. Připomeňme například ukolébavku z filmu „Husarská balada“. Jak klidně a majestátně jím proudí melodie: "Spi, má Světlano."
Melodie písní T. Khrennikova má ještě jednu vlastnost. Když skladatel dokončí dílo nebo jeho samostatnou část, klade přirozeně určitý důraz na konec. Například píseň může končit intonací potvrzení, * přísahou, přesvědčením. Ve stejné míře i samostatná část díla často vyjadřuje překvapení, otázku, zvolání. T. Khrennikov se vyznačuje schopností dynamizovat intonaci, dodávat jí zvláštní energii a využívat ji k přípravě jakoby následného vývoje hudebního materiálu. Často dovede k takovému vrcholu frázi, po které nastupuje jiné chápání tématu. Ale tento přechod se připravuje, předchozí věta takovou obnovou dýchá.
Například v písni T. Khrennikova „Jako slavík o růži“ je velmi patrný přechod od „rozhovoru v próze“ k písni.
Jako slavík zpívá o růži v noční zahradě, řekl jsem ti v próze, přejdu na píseň.
Sbor písně je jako vlna citu, přísahy a rytmických, vzrušenějších intonací, vyjadřujících hrdinovo hluboké přesvědčení o jeho neměnné oddanosti a lásce.
V písních T. Khrennikova se občas rodí motivy hlubokého smutku. Tím je dosaženo zvláštní expresivity. Skladatelovy melodie jsou jasné a zářivé. Někdy se používá technika simulace pohybu. Například v písni „Boat“ má vlnovka melodie vytvořit pocit plynulého pohybu po vodě: „loď plula, houpala se“. Mezi oblíbená díla T. Khrennikova patří: „Vítězný prapor“ (slova M. Matušovského), „Každý čtvrtý“ (z filmu „Čas si nás vybral“, slova M. Matušovského), „Moskevská okna“ (slova M. Matušovského) a další.
V válečný čas skladatelé věnovali své písně pilotům, dělostřelcům, pěšákům, průzkumným důstojníkům, posádkám tanků a námořníkům. V 50. letech zůstali tématu věrní někteří z průkopníků písňového žánru. Týká se to například Jevgenije Emmanuiloviče Žarkovského (nar. 1906). Jeho oblíbenými hrdiny jsou moderní vojenští námořníci. Skladatel často navštěvuje lodě a dobře zná život a každodenní život námořníků. Jeho díla jsou „Píseň o oceánu“ (slova R. Rožděstvenského), „Paměť moře“ (slova stejného básníka), „Píseň o ledové lodi poháněné jadernou energií“ (slova M. Reitmana), „Na mysu Zelená“ (slova stejného básníka), „Hrdinové jsou vždy s námi“ (slova M. Plyatskovského) jsou barevně pestré, v modálních, rytmických odstínech. Vytvářejí obrazy hlubin moře, obrovské námořní hranice Vlast, nezištná práce námořníků bránících posvátné hranice:
Na Tichém oceánu je ticho, ticho - Stejně klamné jako místní počasí.
Ale obecně v 50. letech začala v umění písně vzkvétat jiná témata – práce, láska, věrnost v odloučení. Jestliže dříve v zobrazování hrdinů dominovaly rysy přísnosti, mužnosti a baladičnosti, nyní se změnily i umělecké intonace. Stali se lehčími, někdy ironickými, veselými, rozpustilými, smutnými, idylickými. Tak se objevily písně o neopětované lásce, např.: „Slyš mě, dobrý“ od V. Solovjova-Sedoy (texty M. Isakovského), „Je lepší, aby tato květina neexistovala“ od M. Blantera, „Šeřík -třešeň“ od E. Miljutina (texty písní A. Safronov).
Mnoho děl B. Mokrousova („Dívám se za řeku“), G. Nosova („Daleko, daleko“), D. Pritzkera a dalších skladatelů bylo napsáno v žánru lyrických písní.

Boris Andrejevič Mokrousov(1909-1969) zanechal originální stopu v klasických písních. Jeho díla „Když přijde jaro“, „Za jasné noci“, „Osamělý akordeon“ jsou dodnes populární. Poslední skladba hojně využívá techniku ​​postavení uměleckých intonací vedle sebe. Jeho melodie jako by zprostředkovávala pohyb důsledně se odvíjející myšlenky. První věta je obvykle zpívána tiše, zasněně. Toto je s největší pravděpodobností kontemplativní obrázek: „Všechno znovu zamrzlo až do svítání. Ve druhé sloce se již známá melodie jakoby trhá a tvoří pohnuté motivy, které jako by na sebe narážely. Muzikolog V. Zak nazval tento proces změny opakující se melodie „chvějící se strukturou“.

Mezi mistry písňového žánru samozřejmě musíme zařadit Aram Iljič Chačaturjan(1903-1978). Jeho odkaz je samozřejmě pestrý. Do zlatého fondu sovětské hudby patří jeho symfonická, baletní díla a koncerty. Chačaturjanův slunečný talent se objevil i v písňovém žánru. "Můžete studovat historii naší země prostřednictvím písní," řekl skladatel. "Píseň je zvláště milována lidmi; její morální a estetické funkce jsou bezkonkurenční."
Melodie A. Chačaturjana ve „Valčíku přátelství“ zní jako vzletná melodie. Kombinuje techniky hudebního zobrazování a emocionálního kontrastu:
Světlo ze slunečních paprsků v modrém azuru A nad hlavami létají hejna bílých holubic.

Ze zakladatelů sovětského písňového žánru dnes nejplodněji působí Lidový umělec RSFSR Mark Grigorievič Fradkin(nar. 1914). V roce 1943, jak vzpomíná S. Katz, se ve Svazu skladatelů objevil mladý muž, který přijel ze zákopů Stalingradu. Byl ve vojenské uniformě s harmonikou v rukou. Mladý skladatel hrál své písně - „Píseň Dněpru“ a „Důstojnický valčík“ na básně E. Dolmatovského - a byl okamžitě přijat do tvůrčí rodiny. Dnes je jeho jméno pevně spojeno s hlavními cestami vývoje sovětské písně.
M. Fradkin zahájil činnost společně s K. Listovem, B. Mokrousovem, E. Žarkovským, B. Terentjevem. Doba se změnila, ale Fradkin neztratil svěžest svého vnímání událostí. Ten se podle vlastních slov nemusel psychicky restrukturalizovat, protože jeho hlavní postavou je moderní mladý muž. Čas mění tvář tohoto hrdiny. Proto je důležité, na základě nejlepších tradic písně, cítit vývoj žánru, změny probíhající v intonační struktuře melodie, v harmonické a rytmické frázi.
Tajemství skladatelovy popularity spočívá v tom, že je rozený melodik. Jeho charakteristická intonační struktura úzce souvisí s lidovým původem. Plynou do ní různé melodické komplexy - tradice ruské táhlé písně, ruské revoluční písně, pochodu, městské romantiky. Základ jeho tvorby však tvoří tradice ruské táhlé písně. To je zvláště jasně cítit v „Písni volžského hrdiny“, jejíž hudbu napsal skladatel svými vlastními slovy. Toto dílo hrdinského, slavnostního obsahu se rozvíjí pomalu, monumentálně. Svým původem se blíží lidovým melodiím, ale zároveň vychází moderní systém vyjadřovací prostředky.

„Je pro mě těžké analyzovat vlastní hudbu,“ zdůrazňuje skladatel. - V každém případě jsem vždy miloval lidovou hudbu vytvořenou v průběhu staletí. To je nevyčerpatelný zdroj inspirace. Vidím v něm silnou oporu pro každého skladatele. Zdá se mi, že folklorní stopy jsou v některých mých dílech zcela zřetelně otištěny, i když si v žádném případě nekladu nějaké záměrné stylizační cíle. Někdy, po napsání písně, tam zachytím nějaké folklórní asociace, například v „Volze teče“ nebo „Nedaleko vesnice Kryukovo“. Při pečlivém zacházení s intonacemi lidového umění je problém, aby zněly moderně v písni našich dnů.“
Modernost tvorby M. Fradkina se projevuje i v jeho občanské pozici. Neustále se obrací k aktuálním zkušenostem mladého hrdiny naší země a vyjadřuje společensky významné problémy doby.
M. Fradkin řeší vlastenecké téma jedinečným způsobem s využitím široké škály figurativních i lyrických prostředků. Proto dokázal tak vzrušeně mluvit o své volbě povolání v životě mladý muž, o lásce k vlasti, o neutuchající síle mladistvého optimismu. Jeho písně jako „Volha teče“ (slova L. Oshanina), „Sbohem, holubi!“ (slova M. Matušovského), „komsomolští dobrovolníci“ (slova E. Dolmatovského), vytvářejí obraz okřídleného, ​​zvonivého mládí. Sousedí s ideologickým a expresivním komplexem, který představují tak populární díla jako „Hlavní věc, chlapi, nezestárni v srdci“ od A. Pakhmutové, „Píseň zůstává s mužem“ od A. Ostrovského , „Miluji tě, život“ od E. Kolmanovského.
Píseň „Volha teče“ začíná širokým, rozsáhlým obrazem mocné řeky, zosobňující svým klidným, mocným pohybem nevyčerpatelnou sílu vlasti. Melodie i doprovod zdůrazňují mimořádný rozsah a nekonečnost prostoru. To je zvýrazněno vzestupným vzestupem melodie a vlnícím se basovým tématem, které jakoby reprodukuje vokální melodii v kánonu. Hrdinův osud je odhalován prostřednictvím popisu jednotlivých milníků jeho životní cesty: nejprve mladý, pak zažívá první lásku, přátelství, které mu dalo oporu, dospívá, aby našel odvahu přemýšlet o předání duchovní štafety těm, kteří nahrazují úžasnou generaci současných veteránů. Ale celý tento život, jak se odráží v písni, je neoddělitelně spojen s jedním primárním zdrojem - s řekou, která hrdinovi dodávala sílu, moudrost a duchovní bdělost.
Melodie písně se rozvíjí široce a volně. Je prodchnuta duchem lidového umění, jeho moudrou jednoduchostí. Zdá se, že majestátní pohyb vznášející se melodie
uvolněné, snadné, vznikající přirozeně a spontánně. Zpovědnost písně je zdůrazněna dalšími výrazovými prostředky. Skladatel používá
variabilní modus, metrytmická a motivická variace.

V další písni M. Fradkina - "Sbohem, holubi!" - stejná duchovní otevřenost, emoční nákaza. Jejím hrdinou je stále velmi mladý muž. Píseň je možná prvním jasným povzdechem mládí. Melodie se rozmarně rozvíjí, zdá se, že sleduje bizarní let ptáků a okouzleně hádají jejich trasu. V něm je slyšet jak smutek nad tím, co bylo ztraceno, tak úzkostné očekávání svůdného štěstí a nových dojmů. První dvě konstrukce vokálního partu jsou zdrženlivé, postrádají otevřenou impulzivitu. Je to jako expozice rostoucího pocitu. Ale ve třetí konstrukci melodie vyjadřuje přímý, neskrývaný příval emocí. Drobné zabarvení písně se každou chvíli „rozjasní“. To je zdůrazněno i harmonizací. Zdá se, že zprostředkovává plynulost, určitou nepřetržitost prožitku, jeho vnitřní vývoj. Skladatel neklade finální akcenty a vyhýbá se úplnému „ustálení“ melodie. Tonickou triádu, označující prvek takové „úplnosti“, zavádí až v závěrech první a třetí věty. Píseň "Fly, holubi!" napsaný v tradicích ruské lyrické romance.
Jasnost a odlehčenost intonace je charakteristická i pro další díla M. Fradkina. V návaznosti na tradici lyrického zabarvení slavnostních témat vytvořil skladatel mnoho poetických, reflexivních děl. Je nepravděpodobné, že by někdo mohl zapomenout na jeho „Birches“ (slova V. Lazareva). Obsahuje jak zobecněnou lyriku, tak prvky expresivního zvukového psaní. Ruské téma skutečně plynule plyne, sleduje vzestup tématu a pak skok v jeho vývoji. Zpětný pohyb dolů je stejně působivý. Skladatel tak dosahuje extrémního lyrického napětí, ale zároveň zdůrazňuje určitou svobodu vnitřního cítění. Nejde jen o vzestup nálady, ale také o její vytrvalost. Melodie vám pomůže vycítit, proč Šukšinův hrdina objímá břízu, proč v ní vidí to nejcennější, co je v životě posvátné.
Je charakteristické, že do písně postupně vstupuje druhý hlas, zdůrazňující lyrickou družnost písně. Co se týče klavírního doprovodu, ten nadchne klidným, zdánlivě padavým pohybem středního hlasu. Doprovod vytváří kontrapunkt k vokálnímu partu a současně zobrazuje šustění listí a šustění větví.
Mnoho písní M. Fradkina pocházelo z obrazovky. Ve filmu „Byli první“ tedy zazněly dvě jeho písně („Za tovární základnou“ a „Žili jsme vedle“). Obě písně se staly široce známými. Spolupráce v kině podle samotného Fradkina rozšířila tvůrčí obzory, přiměla ho vážně přemýšlet o otázkách hudebního dramatu a psát v různých formách a žánrech. Nejúspěšnější ze skladatelových filmových písní se vydala do samostatného života.
M. Fradkin již řadu let neustále spolupracuje se slavnými sovětskými básníky - Jevgenij Dolmatovský, Robert. Rožděstvenského. Tvůrčí přátelství s Michailem Matusovským se také ukázalo jako plodné, Lev Oshanin, Sergej Ostrov. Jeho spolupráce s Michailem Plyatskovským („Morseova abeceda“, „Vezmu vás do tundry!“) byla velmi produktivní.
Jednou ze silných stránek tvůrčího stylu M. Fradkina je schopnost najít nestandardní přístup k již zavedeným formám-strukturám, tanečním žánrům atd. Například ve dvou jeho písních - “Behind the Factory Outpost” a “Normandy Squadron“ (obě slova E. Dolmatovského) je použit valčík, který je však realizován různými způsoby, což vyjadřuje originalitu konceptu a celého zvuku těchto děl.
Hrdinou písně „Behind the Factory Outpost“ je mladý muž, který zemřel v tragických a nádherných dnech občanské války. Výrazové prostředky, které skladatel používá, jsou velmi jednoduché. Melodie se rozvíjí ve vlnách, doprovod jakoby splývá s melodií, nejsou zde žádné kontrastní protiklady. Vše je navrženo tak, aby odhalilo důmyslné zážitky továrního mládí, vzpomínání na jarní východy slunce, lásku a svou rodnou základnu. Valčík pomáhá zprostředkovat určitou eleganci a zasněnost hrdiny, který dal svou krev zemi, aby „naše slunce vyšlo“.
Příběh hlučné války je vyprávěn z první osoby a v písni „Normandy Squadron“. I zde je valčík použit jako hudební základ. Jeho výklad je ale jiný. Jeho cílem není zdůraznit jednoduchost vnitřního líčení hrdiny, ale šíři a obecnost tématu. Valčík pomáhá dodat příběhu baladickou kvalitu. Myšlenka se zvětšuje a stává se vícevrstevnou. Je to valčík, který mu dodává takový nádech duchovní palčivosti. Hladce a odměřeně plovoucí doprovod v kombinaci s malými vokály, které doplňují každý verš, vám umožní oddat se vzpomínkám a cítit plynoucí čas.
Vidíme, že témata prací M. Fradkina jsou velmi obsáhlá a všestranná. Reaguje na různé společenské události, na problémy, které život přináší. Hrdiny skladatelových písní jsou mladí lidé se svou veselostí a nepotlačitelností, emocionalitou, ideály a sny. Veteráni, kteří si v paměti nesou „nejcennější“, hrdinské stránky minulosti, neustále cítí potřebu vzpomínat na „daleko a blízko“, poslat příteli zprávy o sobě.
Tvorba M. Fradkina je multioborová a multižánrová. Obsahuje hrdinství, patos, lyriku a vtipy. Ještě v 60. letech napsal píseň na básně A. Mezhirova „Vpřed, komunisté“ (básník připravil speciální vydání jeho slavné básně „Komunisti, vpřed!“). Tím začala série věnovaná výročí našeho státu. Tento cyklus také obsahuje píseň „The Revolution Will Never Die!“ (slova B. Bryanského). Obsah tohoto díla se dobře odráží v epigrafu z poetických linií básníka revoluční éry V.D. Alexandrova. Jsou použity v písni jako sbor:
Nikdy, nikdy se den a noc nespojí v jednu skladbu, revoluce nikdy nezemře, aniž by dokončila svou práci!
Tato píseň patří do kategorie otevřeně publicistických, hymnických děl. Jeho melodie se rozvíjí pomalu, pochodově. Všechny hudební prostředky jsou použity k vyjádření vysokého patosu revoluce, její nehynoucí spirituality, její neutuchající mobilizační síly. Hrdinou písní M. Fradkina je nejen mladý muž, který svou prací zkrášluje zemi, staví nové domy, mosty a silnice, vytváří nové duchovní hodnoty, ale je především rytířem revoluce, komunistický, z celého srdce oddaný svému transformačnímu smyslu a účelu.
Vpřed, komunisté, svítání hoří, Říjnový oheň jsme zapálili z jiskry.
Téma revoluce a října v dílech M. Fradkina neustále žije. Revoluce a práce jsou v jeho písňovém umění neoddělitelné.

Známá píseň „Komsomolští dobrovolníci“ oslavuje ty, kteří si odvážně vybírají „mladé stezky“, razí neznámé cesty a staví stany tam, kde budou města. Tato píseň je věnována odvaze skautů budoucnosti, opravdovým nadšencům nového života. Je lyrická a přísně vážná. Jeho melodika se vyznačuje jasným tečkovaným rytmem, zdůrazňujícím vůli a nepružnost mladých pionýrů. Postupně se řítí nahoru, zvuk zesiluje. Ale skladatelův záměr se vůbec neomezuje pouze na zdůraznění hrdinství a zrcadlení vznešených myšlenek v reliéfních obrazech. Píseň je zároveň zpěvná a poetická. Není to jen hymna „probuď se“, ale také vzrušený příběh o hnutích duše, o osudu nadšeného člověka. Proto lze toto dílo přiřadit ke specifickému žánru, kterému se obvykle říká „narrative-march“.
Originální kreativní koncept prostupuje další píseň M. Fradkina „Morzyanka“ (slova M. Plyatskovsky). Je to také o pracovním, hrdinském každodenním životě. Ale jak úspěšná je technika imitace, která vám umožní slyšet vzrušený puls Morseovy abecedy! Vývoj vokálního tématu je doprovázen skokem, změnou velikosti. To vše umocňuje emocionální dojem z písně. Žije v ní kouzlo poetického tajemna, zázrak komunikace se vzdáleným, drsným světem, který vysílá romantické signály.
Píseň M. Fradkina „There, Behind the Clouds“ (text R. Rožděstvenského) odhaluje téma inspirace a romantického hrdinství. Melodie se zde rozvíjí spletitým, improvizačním způsobem. Ve skutečnosti reprodukuje ústní řeč, strukturu konverzační intonace. Netradiční rytmus, kombinace vokálního chorálu a originálně znějících slov a spontánnost přednesu dodávají písni zvláštní expresivita. Tato práce je příkladem toho, jak lze sloučit melodii ústní řeči s hudební melodikou. Kreativní koncept písně je jednoduchý, je jako přepis dojmu, živého pocitu. A zároveň skladatel dosahuje skutečného zobecnění tématu. Poezie práce se zde objevuje odlehčeně, zdůrazňuje
Vynikajícím příkladem mobilizační role sovětské písně je píseň M. Fradkina a R. Rožděstvenského „Pro toho chlapa“. Probudila k životu skutečně národní vlastenecké hnutí a inspirovala k práci pro dobro vlasti. Píseň se stala celounijním mottem pracovních směn na počest 30. výročí Vítězství nad fašismem. Tato práce vyjadřuje náladu žal za muže, který zemřel ve válce. Melodie písně je výrazná a melodická:
Dnes vstanu před svítáním.
Půjdu přes širé pole.

Intonační vývoj melodie je zde do značné míry určován rytmickou stavbou básnické linky. Je to jako expozice pocitů, kombinující expresivní zpěvy a deklamace. Příběhový chorál jakoby uvádí posluchače do atmosféry paměti. Melodie se rozvíjí klidně a plynule. Refrén je lyrického charakteru, je plný písňových intonací. Jasný, stálý rytmus doprovodu prohlubuje lyrickou, ležérně konverzační intonaci. To je zdůrazněno i v doprovodu.
Postupně sbor získává patos a zdůrazněné dramatické intonace. Člověk cítí silnou vůli pružnosti melodie. V doprovodu zazní ostré rytmické intonační akcenty.
A stepní tráva voní hořce.
V písni o „ozvěně minulé války“ se tak snoubí otevřená, obnažená publicistika s lyrickým, konfesním zabarvením. Událost je individualizovaná, přehodnocená prostřednictvím osobního vnímání, prostřednictvím jedinečného osudu hrdiny písně. Ostatně jen on, tento hrdina, cítil hořkost stepní trávy, neboť pro něj je obraz přírody utkán nejen z pastýřských dojmů, ale také z asociací naznačených vzpomínkou.
Další dílo M. Fradkina „Near Village of Kryukovo“ lze také zařadit do žánru vzpomínkových písní. Jsou mu dány i baladické rysy. Toto je příběh o vojácích umírajících poblíž vesnice Kryukovo. Rytmická variace melodie zdůrazňuje smutek a odvahu, smutek a hrdinskou inspiraci. Za své nejnovější práce byl M. Fradkin oceněn titulem laureáta Státní ceny SSSR.
Píseň M. Fradkina „Always and Again“ (slova E. Dolmatovského) vyjadřuje jemné, hluboké prožitky člověka. To je svět zduchovněné osobnosti, která poeticky vnímá existenci. „Always and Again“ je elegantní koncertní popová píseň, ve které jsou jasně patrné lidové textury a orchestrace. Skladatelovo dílo je prostoupeno optimistickými intonacemi. Jeho život potvrzující síla je zvláště jasně zdůrazněna rozvojem melodie.
Skladatel ve svém díle ztělesňuje široký rozsah nálady - od jemných, hluboce individuálních hnutí duše až po masivní, silné občanské pocity sdílené všemi sovětskými lidmi: nenávist k válce, smutek za padlé. M. Fradkin zprostředkoval ve svém díle pestrobarevnou paletu zážitků: patetický, hrdinský, přemýšlivý, lyrický, hravý i humorný.
Melodie v jeho písních se rozvíjí spontánně a improvizačně. Jak již bylo řečeno, lyrický chorál v nich koexistuje s deklamací. Rytmická bohatost v dílech M. Fradkina se snoubí s využitím proměnných rytmů. Vzpomeňme na díla jako „Dívka chodí přes pole“, „Pro toho chlapa“, „Morseova abeceda“. Skladatel originálním a neobvyklým způsobem využívá žánry hojně používané v sovětské písňové kultuře (pochod, valčík, tango). To platí pro pochod, například v „Písni o Dněpru“, „Komsomolští dobrovolníci“, pro valčík v takových dílech jako „Za tovární základnou“, „Normandská eskadra“, „A léta letí“. Městská „outskirtová“ romance je přeložena do „Love Song“ a prvky tanga jsou přeloženy do novinářské písně „For that guy“.
Všichni zpívají písně M. Fradkina. A děti, pamatujte na úžasný „Pionýrský pochod“ a milence („A láska je vždy na prvním místě“) a veterány („Poblíž vesnice Kryukovo“, „Pro toho chlapa“). Hrdina jeho děl je nám blízký svými zážitky, ať už mluvíme o vzplanutém citu, o hrdinství stvoření nebo o vzpomínkách lidí sežehnutých válkou.V tomto smyslu je M. Fradkin, as jeden ze zakladatelů sovětského písňového žánru, je stále moderní.
Původní tvůrčí tradice v žánru sovětské písně vytvořili také N. Bogoslovsky a O. Feltsman. Nikita Vladimirovich Bogoslovsky (nar. 1913), lidový umělec RSFSR (1973), autor baletní pohádky „Království křivých zrcadel“ (1953), hudební komedie „Jedenáct neznámých“ (1946) a mnoha populárních písní , včetně „Temná noc“ (z filmu „Dva bojovníci“, text V. Agatova), „Milované město“ (z filmu „Bojovníci“, text E. Dolmatovského), „Mohyly spí“ ( z filmu" Velký život“, slova B. Laskina).
Mnoho milovníků umění si pamatuje jeho díla, jako je Roshchinova píseň z filmu „Different Fates“ (texty N. Dorizo), „A Leaf is Spinning“ (text
I. Shaferan), „Pěchota je pěchota“ (slova M. Plyatskovského), „Kde jsi, časně ráno“ (slova A. Žarov). Hrdinský patos v těchto písních nevytlačuje texty, humor a úsměvy. N. Bogoslovsky vytvořil oduševnělé, jemné, zapamatovatelné melodie.

Oscar Borisovič Feltsman(nar. 1921), lidový umělec Dagestánské autonomní sovětské socialistické republiky, ctěný umělec RSFSR (1972) psal symfonická díla, hudbu k dramatickým představením a filmům. Jeho díla jako „Obrovské nebe“, „Balada o praporu“, „Balada barev“, „Moje Černé moře“, „Dunajský věnec“ a další jsou široce populární.
Feltsman je věrný vlasteneckému tématu. Píše o vlasti, o Komsomolu, o mládí. Klíčem k jeho tvorbě mohou být poetické linky E. Dolmatovského ze skladatelovy písně „Země Komsomol“:
Šel jsem za šťastným osudem, stal se ze mě neklidný hledač. Když jsem byl průkopníkem, snil jsem o nádherné zemi Komsomol.
Bohaté dílo O. Feltsmana obsahuje i mnoho lyrických písní, např. „Ty jsi vítr, vítr“ (slova V. Kharitonova). V minulých desetiletích kritici skladateli občas vytýkali určité zjednodušení hudebního jazyka. Feltsman však dosáhl zajímavého tvůrčího vývoje. významný úspěch. Hodně cestoval po zemi, setkával se s zajímaví lidé. Napsal komsomolské písně o stanových městech a „Robinsonech“, vytvořil díla o míru, která byla uvedena na mezinárodních festivalech.
Zvláštní místo v díle O. Feltsmana zaujímal cyklus balad na básně R. Rožděstvenského, nejprve „Obrovské nebe“, později „Balada o praporu“, „Balada o nesmrtelnosti“, „ Balada barev“. Každé z těchto děl je nejen výsledkem hudební a básnické práce, ale také výsledkem úvah básníka a skladatele o hrdinství našeho lidu, jeho obětavosti a historickém osudu.
Dnes fanoušci populární hudby znají a milují jeho písně jako „Bílá kniha“ (texty V. Oleva), „Nostalgie“ (texty E. Dolmatovského), „Vezmeme vám lístek“ (texty L. Oshanin), „Píseň na památku padlých“ (slova R. Rožděstvenského), „Práce“ (slova P. Ozhia), „A láska je jako píseň“ (slova V. Kharitonova), „Muž v láska je chůze“ (slova M. Matušovského), „Členové Komsomolu dvacátého roku“ (slova V. Voinoviče), „Píseň podstudia“ (slova I. Shafsran), „Mír vašemu domu“ (slova I. Kochanovskij), „Epiphany“ (slova M. Gettueva, ruský text Y. Serpin).
Tato díla jsou věnována i těm, kteří řídí lodě
Předurčen podél vesmírných cest A v oblasti tajgy k výstavbě měst a továren.
a zpívají chválu těm, kteří mají za sebou „tři války“, komsomolcům z dvacátých let.
Skladatel se ve svém díle obrací k hrdinství minulosti i současnosti, k mytologickým tématům.
Píseň O. Feltsmana „People Remember“ (slova Y. Dolmatovského) vypráví, jak běloruská rolnice ukryla před nacisty gruzínského poručíka. Nazývala ho svým bratrem. Z hlediska svého žánrového vymezení je to napůl podobenství, napůl pohádka. Hudební obraty písně jsou jednoduché, vracejí se k folklóru. To se projevuje v pohádkovosti, v měkkých zakončeních hudebního podání.
Skladatel se obrací k mytologii a snaží se dát prototypům individualizovaný obsah, jako by tato témata „zlidšťoval“. To je jasně cítit v písni „The Fire of Prometheus“ (text N. Orlov), která zdůrazňuje myšlenku, že Prometheus nejen rozdával lidem oheň, ale také rozněcoval jejich srdce touhou po úspěchu. A tento plamen hoří v duši každého:
A pro lidi nešetřete Oheň své duše.

Jeden z velmi pozoruhodných fenoménů konce 50. let. - zrod moderní „kytarové“ písně. Tvůrci amatérských hudebních a poetických děl (studenti, turisté) se začali nazývat „bardi“ a „minstreli“. Tak se v polovině století nazývali keltští potulní básníci a zpěváci. Od 18. stol slovo „bard“ ztrácí svůj specifický význam a stává se synonymem slova „básník“. Dnes to dostalo trochu jiný význam. Amatérští interpreti často zpívají slova, která sami nesložili. Kreativita bardů se rozvinula v 60. a zejména 70. letech.
Moderní sovětská píseň má mnoho tváří. Ale bez ohledu na to, o čem mluvíme - o jeho tématech, o žánrových odrůdách, o vzhledu hrdiny, o intonačních prostředcích - nelze se nedotknout tradic. Dnešní píseň, která je „vaše a moje“, má hluboké kořeny. Vznikl na pevných základech vytvořených osobnostmi písňové kultury. A jeho tradice nezkostnatěly, ale nadále se rozvíjejí, přetvářejí v souladu se smlouvou starých lidí - zanechat popel, ale nést oheň.

• Zakladatelem žánru historického románu v západoevropské literatuře je Walter Scott.

• Důraz na historickou originalitu a národní identitu národů.

• Rysy historického románu W. Scotta.

• Spisovatel si pro své romány vybíral historicky přelomové okamžiky, kdy se rozhodovalo o celých osudech národů.

• Jeho nejznámější díla: „The Puritans“, „Ivanhoe“, „Quentin Durward“. Umělecká originalita románů.

• Spojení romantismu s realistickým začátkem.

George Byron (1788-1842)

• Jasný typ romantického umělce, který dal jméno celému uměleckému fenoménu - byronismu.

• Myšlenka tragického, nesmiřitelného boje hrdiny proti nepřátelské realitě je hlavním rysem poezie J.G. Byron.

• Básníkovy rané texty.

• Všestrannost jeho lyrické poezie.

• Je to spojení hlubokého smutku, pocitu zmaru a lásky k životu, obdivu k jeho kráse.

• Nejznámějším dílem je romantická báseň „Childe Haroldova pouť“ (1812).

• Filosofická dramatická báseň „Manfred“.

• Byronova účast v hnutí Carbonari a záhada „Kain“ jako vrchol kreativity tohoto období.

• Veršovaný román „Don Juan“ je básníkovým největším dílem.

• Obraz Prométhea je ztělesněním odvahy trpícího hrdiny, schopného „proměnit smrt ve vítězství“.

• Goethův Prométheus a Byronův Prométheus.

• Umělecká zásluha romantiků.

Percy Bysshe Shelley (1792-1822)

• Byronův přítel. Strávil mnoho let v Itálii.

• Básník romantizoval poezii samotnou jako formu kreativity. Básníci jsou zákonodárci světa, vytvářejí věčné obrazy.

• Rozmanité tvůrčí dědictví - básně, básně, ódy.

• Široce používané mytologické a biblické obrazy, symboly a alegorie.

• Když se obrátil k historii, snažil se pochopit moderní realitu.

• V centru děl je romantický hrdina. Fascinující milostná linka, jemnost lyrického prožitku.

• Obzvláště slavný je „Prometheus Unbound“.

• Charakteristickým rysem jeho povídek je ostrý děj, zábavnost, kombinace vážného a komického, kombinace ironie s jasně vyjádřeným racionalistickým principem.

• Téma rozporu mezi sny a realitou v Irvingově díle, které se stalo jedním z hlavních v americkém romantismu.

• Díla o Americe: „Historie New Yorku“, příběhy „Legenda o Sleepy Hollow“.

• Jedním z Irvingových klíčových děl je „Rip Van Winkle“. Fantastická fikce a zobrazení reality.

Realismus v literatuře 19. století.

Formování realismu v hlubinách romantické literatury počátku 19. století. Moderní výklad pojmu „kritický realismus“. Realismus jako odraz reálný život- jakési estetické jádro umělecké kultury v renesanci („renesanční realismus“) a v době osvícenství („osvícenský realismus“). Kritický realismus 30.-40. let 19. století.

Anglický realistický román 19. století.

• Dickens, Thackeray, sestry Bronteové, Gaskell.

• Kritika anglických romanopisců, jejich estetické principy, etický ideál, spojení s romantickou tradicí. Spojení evropské revoluce 1848 a chartistického hnutí v Anglii 30. a 40. let s literárním životem té doby.

Charles Dickens (1812-1870)

• Charles Dickens je skvělý humoristický spisovatel.

• Romány ukazují život Anglie v 19. století.

• Smích jako nástroj k odhalení nectností reality a jako výraz spisovatelova optimismu.

• Dickensova satirická dovednost.

• Hlavní období spisovatelovy tvořivosti.

• Rysy kreativity byly určeny rysy osobní biografie spisovatele. Okolnosti jeho dětství se odrážejí v románu „David Copperfield“. Osud chlapce, který prošel zkouškami, není životem zklamán, zůstává laskavý a vstřícný.

• Spisovatelův pohled na svět.

• Děti a téma dětství v románech „Dombey a syn“ a „Oliver Twist“.

• Román „Posmrtné zápisky klubu Pickwick“ přinesl spisovateli slávu.

• Pan Pickwick a další excentrici ve spisovatelově díle.

• Světová sláva jeho románů.

• Vnímání Dickensova díla v Rusku. L. N. Tolstoj a F. M. Dostojevskij o Dickensovi.

William Makepeace Thackeray (1811-1863)

• Nejvýznamnějším dílem je román „Vanity Fair“.

• Anglická společnost. Všechny postavy jsou posedlé žízní po zisku, vše se prodává a vše se kupuje.

• Ostrost a sarkastika v popisu postav a situací.

• Kombinace realistického základu s hravým, komickým.

Francouzský realistický román

• Stendhal, Balzac, Flaubert.

• Souvislost mezi realismem ve Francii a pragmatismem, převaha materialistických názorů.

• Kombinace romantické obraznosti a symboliky se střízlivým rozborem, realistické zobrazení atmosféry Paříže po revoluci 1830.

Stendhal (1783-1842)

• Současnost, dárek jménem Henri Marie Bayle.

• Kniha „Racine a Shakespeare“ (1823-1825) je jedním z manifestů realistické školy.

• Zvládnutí psychologické analýzy, realistické zobrazení sociálních rozporů ve spisovatelových dílech.

• Romány „Červená a černá“ (1831), „Klášter Parma“ (1839).

• Autor „Dějin malířství v Itálii“ (1817), „Životy Haydna, Mozarta a Metastasia“ (1817) a psychologického pojednání „O lásce“ (1822).

Honore de Balzac (1799-1850)

• Ředitel realistické školy první poloviny 19. století.

• Klasika společenského románu.

• Od roku 1829 vytvořil epos „Lidská komedie“ s 90 romány a příběhy.

• Epos je realistickým obrazem francouzské společnosti 1816-1848, grandiózního rozsahu.

• Ukazuje sociální průřez společností, odrážející její rozpory, morálku a vztahy.

"Lidská komedie"

• Obecná koncepce a postavy eposu: etudy morálky, filozofické studie, analytické studie.

• Náčrtky mravů - zobrazující provinční, pařížské, venkovské, soukromé, politické a vojenské scény. Zobecnění je jedním z hlavních přikázání Balzacovy estetiky.

• „Neznámé mistrovské dílo“ (1831), „Shagreen Skin“ (1830-1831), „Eugenie Grande“ (1833), „Père Goriot“ (1834-1835), „Ztracené iluze“ (1837-1843), „Cousin Bette “ (1846).

Gustave Flaubert (1821-1880)

• Romány „Madame Bovary“ a „Education of Sentiments“ jsou encyklopedií francouzské provincie a Paříže 19. století.

• Ukazující hluboký původ okolní vulgárnosti, mravní bezvýznamnost provinční buržoazie, dusnou atmosféru Druhého císařství.

• Barevná a zvuková struktura románu „Madame Bovaryová“ jako druh doprovodu smutného příběhu Emmy Bovaryové.

• Flaubert, pokračovatel trendu O. Balzaca, brilantní stylista, ovlivnil vývoj realismu ve světové literatuře.

Naturalismus

• Umělecký směr (z latiny - příroda) 2. poloviny 19. století.

• Vznikla na základě odmítnutí uměleckých ideálů romantismu a realismu.

• Požadavek pečlivé a nezaujaté reprodukce toku života v kombinaci s přísnou sociálně-biologickou determinací zobrazovaných jevů.

• Prosazoval všemohoucnost drsné každodenní reality a lidských podvědomých impulsů.

• Filosofickým základem naturalismu je pozitivismus.

• Zakladatelem estetiky naturalismu je Hippolyte Taine. Jeho práce stanoví základní princip naturalismu jako metody: asimilaci umění vědě.

Emile Zola (1840-1902)

• Kapitola naturalismu.

• V roce 1868 koncipoval sérii románů „Rugon-Macquart.“ Umělecká kronika života buržoazní Francie.

• 20svazkový epos „Ruggon-Makkara. Přírodní a sociální dějiny jedné rodiny v době Druhého císařství“ (1871-1893).

• 70. léta 19. století - prvních 8 románů cyklu. Populární v Rusku, nepřátelský ve Francii. Uznání přinesl až román Past (1877).

• 1880-1887 - rozkvět kreativity, výskyt románů „Nana“ (1880), „Germinal“ (1885), „Kreativita“ (1886), „Země“ (1887).

• Kontroverze kolem románu „Země“ je důvodem rozkolu ve francouzském naturalismu.

• Kritická díla „Experimentální román“ (1880), „Naši dramatičtí“, „Přírodovědní romanopisci“, „Naturalismus v divadle“ (1881).

• Prezentují své teoretické názory, koncept naturalistického románu a dramatu.

• 1893 - Zola dokončuje cyklus (poslední romány jsou „Peníze“ (1891), „Devastace“ (1892), „Doktor Pascal“ (1893).

• Účast na Dreyfusově aféře je skutečným Zolem.

Význam Zolova díla

• Vliv na rozvoj naturalismu po celém světě.

• Velká hodnota za realismus. Neobvykle rozšířil téma realistického zobrazení a vyvinul nové mechanismy pro umělecké studium reality.

• Rozvinul nové žánrové vzdělání - cyklus románů, představující společnost celé epochy ve „vertikálním“ (historickém) průřezu.

• V rámci historicko-rodinného cyklu vyvinul zvláštní typ románu, v jehož středu byl podnik, „ekonomický organismus“.

Druhý zakladatel žánru, Konstantin Eduardovič Gibshman, měl konferenci v petrohradském divadle miniatur „Crooked Mirror“.

Na rozdíl od Balieva vytvořil masku baviče, nesmělého, zmateného, ​​deprimovaného potřebou vystupovat před veřejností. Jeho řeč byla nezřetelná, zmatená a přerušovaná dlouhými únavnými pauzami. Čísla byla vyhlašována nejasně, nepřehledně, s častým a zdánlivě zbytečným opakováním

m stejných slov. Pohyby se ukázaly jako překvapivě neobratné, omezené, neodpovídající tomu, co bylo řečeno. Všechno, co Gibshman udělal a řekl, bylo vnímáno jako čistá improvizace. Smutně se opakující výkřiky a dlouhé, vyděšené ticho bylo těžké zaměnit za pečlivě připravenou roli. Mezitím byly všechny povzdechy, váhání, gesta, pomíchané repliky zapamatovány a reprodukovány s takovým talentem a dovedností, tak přirozeně, že divák herci uvěřil.

Sám možná, a aniž by to tušil, vytvořil Gibshman jakousi parodii na první, takříkajíc masovou produkci ruských bavičů.

A pro herce účinkující v programu byl Gibshman dobrý, protože na pozadí neschopnosti, kterou simuloval, jejich výkony vždy zvítězily.

Potřebu baviče vžít se do postavy a tím i nejužší spřízněnost této profese s herectvím brilantně potvrzují aktivity na scéně Konstantina Gibshmana.

Při vytváření své image šel, jak se říká, z opačného směru. Než vstoupil na pódium, postava baviče na něm zdomácněla a postava baviče se ustálila. To je rozhodně důvtip, statečný, vynalézavý, někdy i troufalý člověk – vlastnosti, které se staly důvěrně známými, standardní povinností každého baviče. V nejhorších příkladech se pozitivní vlastnosti změnily v negativní: svoboda chování v chvástavost nebo dokonce drzost, vtip v vulgárnost. AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

Lze si představit, jaký dojem na tomto pozadí udělala extrémně pytlovitá, neohrabaná, absurdní postava - muž svázaný, ba oněmělý strachem, zjevně vytlačený proti své vůli na proscénium, zamotaný v záhybech závěsu, muž, který neposlouchá ani myšlenku, ani jazyk! "Já... uh,... vidíš,... ano... teď před tebou... uh... my... tebe."

Byl Gibshman opravdu bezmocný a spoutaný? Vůbec ne. Byl to dobrý herec a před odchodem z jeviště úspěšně hrál v divadle, byl bystrý, živý a zdaleka ne bázlivý. Aby Gibshman vybudoval image, kterou přijal na jevišti, vycházel z charakteristických rysů svého vzhledu. S nadváhou, s chuchvalci vlasů lemujícími jeho pleš, s velkými ústy a očima, které se úsměv proměnil v štěrbiny, umocnil svou nešikovnost, „neumělečnost“ a vytvořil na jejich základě brilantní hereckou image – masku, jasně potvrzující základ umění baviče - transformace.

Mezi tvůrce konference v Rusku patří také Alexey Grigorievich Alekseev. Svou činnost zahájil v Oděse a Kyjevě a od roku 1915 vystupoval v petrohradských miniaturních divadlech „Liteiny Theatre“ a „Pavilion de Paris“.

Umělec vytvořil ironický obraz velkoměstského snoba vkládajícího do svého projevu francouzská slova a fráze a veřejnosti se to líbilo.

Všichni tito tři vynikající mistři ruského baviče měli obecnou kulturu nezbytnou pro tuto profesi. Baliev byl dříve hercem v Divadle umění, Gibshman byl inženýr, Alekseev vystudoval Právnickou fakultu Kyjevské univerzity a mluvil třemi cizími jazyky. Věděli, jak žije jejich publikum, zajímavě prezentovali čísla a hercům dobře pomáhali. A.G. dokázal udržet vedoucí pozici ve svém žánru déle než ostatní. Aleksejev.

Mezitím si Alekseev udržoval popularitu nejen jako bavič, ale také jako autor her, režisér a umělecký ředitel miniaturního divadla "Crooked Jimmy".

Aleksejevovým konferencím zpravidla dominovala vnitrodivadelní témata a parodie a vtipná vysvětlení čísel. Jeho reprízy přinesly zajímavý a nečekaný obraz pestrého života umění 20. let. To už se však současníkům začalo zdát nedostatečné. Mladí lidé mohli poslouchat slavného umělce spíše se zvědavostí než s opravdovým zájmem. Bavič, který vystupoval ve fraku a hlavně s monoklem, tedy úplně stejný jako v předrevolučním Petrohradě, se slovy jednoho z recenzentů zdál „příliš bonton“, jinými slovy, buržoazní.

Na rozdíl od Moskvana N. Balijeva byl A.G. Alekseev skutečným Petersburgerem. „Na pódium přišel hubený, neusměvavý nebo zlomyslně se usmívající, pečlivě oblečený, velmi milý, pohostinný, ale rezervovaný hostitel-partner: Petrohradec. V oku se mu leskl monokl."

Bavič musel být jakoby podobný sálu, vytvarovaný ze stejného těla a ducha. Ztělesňoval rysy svého současníka, jeho vzhled nápadněji, někdy až k jemné parodii. Balijev tedy vstoupil na proscénium z řad moskevské inteligence. Alekseev byl téměř zrcadlovým obrazem rafinovaného Petersburgera - byl to společenský člověk, který věděl hodně o sofistikovaném vtipu. S podobnými postavami se setkávali na ulici, v salonech, v divadlech a na literárních večerech. Pouze vzhled vytvořený Alekseevem byl velmi jemně okořeněn parodií.

Při propojování jeviště a sálu se bavič nemohl ubránit zvýšenému smyslu pro modernost ve všem – v myšlení, ve vtipech i ve vzhledu. Sebemenší zaostávání v jedné z těchto složek bylo zatíženo odloučením od publika, jeho lhostejností a někdy i ironickým postojem. Právě v tomto smyslu můžeme mluvit o změně image baviče. Toto neustálé přidávání publika (a tedy i restrukturalizace obrazu) bylo zvláště výrazné v obdobích, kdy se složení sálu radikálně měnilo. S revolucí se tedy „světský“ Petersburger vytvořený A.G. Aleksejevem propadl do minulosti, takoví lidé zmizeli ze života, už nebyli v sále a nový divák, který zaplnil řady sedadel, viděl ho na proscéniu , kategoricky ho odmítl.

"Ve 20. letech," vzpomíná A.G. Alekseev, - v Anglii byl premiérem Chamberlain, nejhorší nepřítel sovětského lidu. Ve všech svých karikaturách a plakátech byl zobrazován s monoklem, často zvětšeným, aby byla kresba výraznější.

A další buržoazie, „hrdinové“ Dohody, vojenští i civilní, byli zobrazováni s monoklemi, takže tento kus skla se stal téměř emblémem kontrarevoluce.

Ale nenapadlo mě to a dál jsem se objevoval na pódiu s monoklem. V roce 1926 se v Charkově konal jakýsi grandiózní koncert. Když jsem řekl něco vtipného, ​​najednou se z galerie ozval mladý, energický hlas:

Bravo, Chamberlaine!

A nastal všeobecný smích. Ale nebyl to Alekseevův důvtip, čemu se smáli, ale Alekseev sám se smál. Tak to dopadá, když i v tom nejmenším detailu ztratíte v divadle pojem o čase a době!

Samozřejmě, ve stejný den byl monokl archivován!“ (Alekseev, ser. a viz čl. 259)

Včasnost zrodu této profese potvrzuje její téměř okamžité rozšíření. Nyní je dokonce obtížné oddělit data vystoupení Nikity Balijeva v Moskvě a Alexeje Grigorijeviče Alekseeva v Petrohradu. Objevili galaxii brilantních mistrů tohoto žánru. Po nich následovali K. Gibshman, A. Mendělejevič, P. Muravskij, později M. Garkavi a mnoho dalších.